¿Qué es el ragtime?

El ragtime surgió en comunidades afroamericanas de Estados Unidos a finales del siglo XIX y alcanzó gran popularidad entre aproximadamente 1895 y 1915. Fue uno de los antecedentes fundamentales del jazz, aunque generalmente era música escrita y poco improvisada.

Sus características principales son:

• Compás binario, habitualmente 2/4 o 4/4.
• Mano izquierda estable, alternando bajo y acorde.
• Mano derecha muy sincopada, con notas acentuadas entre los pulsos.
• Forma dividida en tres o cuatro temas de unas 16 medidas; una estructura habitual es AABBACCDD.
• Carácter bailable, elegante y enérgico, pero no necesariamente rápido.

Temas esenciales

Scott Joplin

1. Maple Leaf Rag
2. The Entertainer
3. The Easy Winners
4. Elite Syncopations
5. The Ragtime Dance
6. Solace
7. Magnetic Rag
8. Heliotrope Bouquet, con Louis Chauvin

Joplin es la figura central del género; Maple Leaf Rag, publicada en 1899, se convirtió en la obra emblemática del ragtime.

Otros compositores imprescindibles

1. Harlem Rag — Tom Turpin
2. Frog Legs Rag — James Scott
3. Grace and Beauty — James Scott
4. American Beauty Rag — Joseph Lamb
5. Ragtime Nightingale — Joseph Lamb
6. Black and White Rag — George Botsford
7. Dill Pickles — Charles L. Johnson
8. 12th Street Rag — Euday L. Bowman
9. Dusty Rag — May Aufderheide

Joplin, James Scott y Joseph Lamb suelen considerarse el gran triunvirato del ragtime clásico.

Discografía recomendada

• Joshua Rifkin – Scott Joplin: Piano Rags, 1970. Interpretaciones sobrias y muy claras; fue una grabación decisiva para el renacimiento de Joplin en los años setenta.
• Joseph Lamb – A Study in Classic Ragtime, 1960. Documento excepcional porque contiene al propio Lamb interpretando su música.
• New England Conservatory Ragtime Ensemble / Gunther Schuller – Scott Joplin: The Red Back Book, 1973. Presenta arreglos para pequeño conjunto similares a los utilizados durante la época del ragtime.
• Ann Charters – Essay in Ragtime: Ragtime Piano Classics, 1961. Buena introducción a compositores distintos de Joplin.
• Scott Joplin – rollos de pianola de 1916. Incluyen piezas como Maple Leaf Rag, Magnetic Rag y Weeping Willow Rag; son documentos históricos fundamentales, aunque no son grabaciones sonoras convencionales.

Como recorrido inicial, escucharía primero “Maple Leaf Rag”, “The Entertainer”, “Frog Legs Rag”, “American Beauty Rag” y “Harlem Rag”.

¿Qué es el New Orleans Jazz?

El New Orleans Jazz —también llamado jazz temprano o tradicional— se desarrolló en Nueva Orleans entre finales del siglo XIX y las primeras décadas del XX. Nació de la mezcla de blues, ragtime, marchas, espirituales afroamericanos, música criolla y ritmos caribeños. Nueva Orleans, como ciudad portuaria y multicultural, proporcionó el entorno decisivo para esa combinación.

Su formación típica era un pequeño conjunto:

• Corneta o trompeta: melodía principal.
• Clarinete: contramelodías ágiles y ornamentadas.
• Trombón: líneas graves, glissandi y respuestas.
• Piano, banjo, tuba o contrabajo y batería: sección rítmica.

La característica esencial es la improvisación colectiva: varios instrumentos improvisan simultáneamente, creando una textura polifónica. Predominan el ritmo marcado en dos tiempos, la síncopa, los breaks, el stop-time, la expresividad del blues y una orientación fundamentalmente bailable.

No debe identificarse completamente con Dixieland: este último término suele aplicarse a versiones posteriores, especialmente a grupos revivalistas o comerciales que recrearon el estilo original.

Temas esenciales

En orden aproximadamente cronológico:

1. “Livery Stable Blues” — Original Dixieland Jass Band, 1917 Considerada habitualmente la primera grabación comercial de jazz, aunque fue realizada por una banda blanca que interpretaba un género de origen principalmente afroamericano.
2. “Ory’s Creole Trombone” — Kid Ory’s Creole Orchestra, 1922 Uno de los primeros testimonios discográficos importantes de músicos afroamericanos de Nueva Orleans.
3. “Dipper Mouth Blues” — King Oliver’s Creole Jazz Band, 1923
4. “Canal Street Blues” — King Oliver’s Creole Jazz Band, 1923
5. “Chimes Blues” — King Oliver’s Creole Jazz Band, 1923
6. “Snake Rag” — King Oliver’s Creole Jazz Band, 1923

Estas grabaciones, realizadas en Chicago con Louis Armstrong como segunda corneta, son probablemente el ejemplo más completo de improvisación colectiva al estilo de Nueva Orleans.

1. “Tin Roof Blues” — New Orleans Rhythm Kings, 1923
2. “Cake Walking Babies from Home” — Red Onion Jazz Babies, 1924 Destaca por reunir a Louis Armstrong y Sidney Bechet.
3. “Muskrat Ramble” — Louis Armstrong and His Hot Five, 1926
4. “Black Bottom Stomp” — Jelly Roll Morton’s Red Hot Peppers, 1926
5. “Dead Man Blues” — Jelly Roll Morton’s Red Hot Peppers, 1926
6. “Doctor Jazz” — Jelly Roll Morton’s Red Hot Peppers, 1926
7. “Wild Man Blues” — Jelly Roll Morton’s Red Hot Peppers, 1927

Las grabaciones de Morton combinan la polifonía de Nueva Orleans con arreglos muy elaborados, cambios de textura, breaks y secciones cuidadosamente organizadas.

1. “Potato Head Blues” — Louis Armstrong and His Hot Seven, 1927
2. “Blue Horizon” — Sidney Bechet and His Blue Note Jazzmen, 1944
3. “Burgundy Street Blues” — George Lewis, década de 1940
4. “Over the Waves” — George Lewis, década de 1940
5. “Just a Closer Walk with Thee” — Preservation Hall Jazz Band

Discografía recomendada

• King Oliver’s Creole Jazz Band — grabaciones completas de 1923
  La referencia principal para comprender la improvisación colectiva.
• Jelly Roll Morton — The Complete Red Hot Peppers Recordings
  El New Orleans Jazz convertido en música orquestada y estructurada.
• Louis Armstrong — The Complete Hot Five and Hot Seven Recordings
  Documenta el paso desde la improvisación colectiva hacia el predominio del gran solista.
• Sidney Bechet — recopilaciones de sus grabaciones para Blue Note
  Especialmente Blue Horizon, High Society y Summertime.
• Bunk Johnson y George Lewis — grabaciones del revival de Nueva Orleans
  Muestran la recuperación del estilo tradicional durante los años cuarenta.
• Sweet Emma Barrett — New Orleans’ Sweet Emma and Her Preservation Hall Jazz Band, 1964
  Una referencia fundamental del renacimiento tradicional y reconocida por el Registro Nacional de Grabaciones estadounidense.

Para empezar con cinco grabaciones: “Dipper Mouth Blues”, “Canal Street Blues”, “Black Bottom Stomp”, “Muskrat Ramble” y “Blue Horizon”.

¿Qué es el Dixieland?

El Dixieland es una variante del jazz tradicional basada en el lenguaje desarrollado en Nueva Orleans y difundido posteriormente en Chicago y Nueva York. El término se popularizó después de las grabaciones de la Original Dixieland Jazz Band en 1917 y, más tarde, se utilizó ampliamente para el renacimiento del jazz tradicional de las décadas de 1940 y 1950. Sus límites con el New Orleans Jazz y el Chicago Jazz no son rígidos.

Sus rasgos principales son:

• Pequeñas formaciones de seis a ocho músicos.
• Trompeta o corneta: melodía principal.
• Clarinete: contramelodías rápidas y ornamentadas.
• Trombón: líneas graves, glissandi y estilo tailgate.
• Banjo o guitarra, piano, tuba o contrabajo y batería: sección rítmica.
• Ritmo marcado en dos tiempos, heredado de las marchas y el ragtime.
• Alternancia entre improvisación colectiva, solos individuales, breaks y un conjunto final enérgico.

Históricamente, la palabra se aplicó con frecuencia a bandas blancas que imitaban o adaptaban la música afroamericana de Nueva Orleans. Desde el revival, muchos músicos han preferido denominaciones como traditional jazz, trad jazz o classic jazz.

Temas esenciales

Original Dixieland Jazz Band

1. “Livery Stable Blues” — 1917
2. “Dixie Jass Band One-Step” — 1917
3. “At the Jazz Band Ball”
4. “Tiger Rag” — 1918
5. “Clarinet Marmalade”
6. “Fidgety Feet”

Las sesiones de 1917 produjeron las primeras grabaciones de jazz comercialmente publicadas. La banda no creó el jazz, pero contribuyó enormemente a popularizarlo entre el público estadounidense y europeo.

New Orleans Rhythm Kings

1. “Farewell Blues”
2. “Tin Roof Blues”
3. “Bugle Call Rag”
4. “That’s a Plenty”
5. “Panama”

Sus grabaciones de 1922–1923 presentan una interpretación más relajada y musicalmente refinada que la de la Original Dixieland Jazz Band.

Bix Beiderbecke y The Wolverines

1. “Jazz Me Blues”
2. “Riverboat Shuffle”
3. “Copenhagen”
4. “Royal Garden Blues”
5. “Tiger Rag”

Estas grabaciones de 1924 representan la transición hacia el jazz de Chicago, con mayor importancia de los solos individuales y una sonoridad más flexible.

Revival del Dixieland

1. “Relaxin’ at the Touro” — Muggsy Spanier’s Ragtime Band
2. “At the Jazz Band Ball” — Muggsy Spanier
3. “Emperor Norton’s Hunch” — Lu Watters
4. “Big Bear Stomp” — Lu Watters
5. “Muskrat Ramble” — Kid Ory
6. “Panama” — Wild Bill Davison y Eddie Condon
7. “That’s a Plenty” — Eddie Condon
8. “South Rampart Street Parade” — estándar del repertorio Dixieland
9. “When the Saints Go Marching In” — estándar tradicional

Las dieciséis grabaciones realizadas por Muggsy Spanier en 1939, conocidas como The Great 16, fueron especialmente influyentes en el revival. Lu Watters encabezó una corriente paralela en San Francisco, más orientada a recrear el sonido de King Oliver y del jazz temprano.

Discografía recomendada

• Original Dixieland Jazz Band — grabaciones completas de 1917–1923
• New Orleans Rhythm Kings — 1922–1923
• Bix Beiderbecke and The Wolverines — grabaciones completas de 1924
• Muggsy Spanier’s Ragtime Band — The Great 16
• Eddie Condon — Town Hall Concerts
• Lu Watters’ Yerba Buena Jazz Band — The Complete Good Time Jazz Recordings
• Kid Ory — grabaciones del Creole Jazz Band de las décadas de 1940 y 1950
• Varios artistas — Dixieland Joys, Smithsonian Folkways, selección que abarca bandas de los años veinte y el revival de los cuarenta y cincuenta.

Para una primera escucha: “Tiger Rag”, “Tin Roof Blues”, “Jazz Me Blues”, “Relaxin’ at the Touro”, “Emperor Norton’s Hunch” y “South Rampart Street Parade”.

¿Qué es el Chicago Jazz?

El Chicago Jazz se desarrolló principalmente durante la década de 1920, cuando Chicago se convirtió en el gran centro del jazz estadounidense. La Gran Migración llevó a la ciudad a numerosos músicos afroamericanos del sur, mientras figuras procedentes de Nueva Orleans —King Oliver, Louis Armstrong, Jelly Roll Morton y Jimmie Noone— actuaban y grababan allí. Al mismo tiempo, jóvenes músicos blancos del Medio Oeste adaptaron ese lenguaje y crearon lo que, en sentido estricto, suele llamarse “estilo Chicago”.

Sus características principales son:

• Mayor importancia del solista individual frente a la improvisación colectiva de Nueva Orleans.
• Frases más largas, ágiles y elaboradas.
• Presencia destacada del saxofón, especialmente el tenor.
• Ritmo más acentuado, con batería, guitarra y contrabajo ganando protagonismo.
• Conjuntos relativamente pequeños, pero con arreglos y secciones de conjunto más definidos.
• Sonido enérgico y urbano que anticipa algunos elementos del swing.

Temas esenciales del estilo Chicago

Bix Beiderbecke y The Wolverines

1. “Jazz Me Blues” — 1924
2. “Copenhagen” — 1924
3. “Riverboat Shuffle” — 1924
4. “Royal Garden Blues” — 1924
5. “Davenport Blues” — 1925

Beiderbecke desarrolló un estilo de corneta lírico, limpio y contenido, diferente del sonido más expansivo y bluesístico de Armstrong.

Frankie Trumbauer y Bix Beiderbecke

1. “Singin’ the Blues” — 1927
2. “I’m Coming Virginia” — 1927
3. “For No Reason at All in C” — 1927
4. “Way Down Yonder in New Orleans” — 1927

“Singin’ the Blues” es probablemente la grabación emblemática del estilo: combina el saxofón melódico de Trumbauer, la corneta de Bix y la guitarra de Eddie Lang. Fue incorporada al Registro Nacional de Grabaciones de Estados Unidos por su importancia e influencia.

Bix Beiderbecke and His Gang

1. “At the Jazz Band Ball” — 1927
2. “Sorry” — 1927
3. “Wa-Da-Da” — 1928
4. “Goose Pimples” — 1927

McKenzie and Condon’s Chicagoans

1. “Nobody’s Sweetheart” — 1927
2. “China Boy” — 1927
3. “Liza” — 1927

Estas sesiones reúnen a músicos asociados con la llamada escuela de Chicago, como Eddie Condon, Gene Krupa, Bud Freeman y Jimmy McPartland. “Nobody’s Sweetheart” fue grabada el 16 de diciembre de 1927.

Otros temas representativos

1. “There’ll Be Some Changes Made” — Chicago Rhythm Kings
2. “I’ve Found a New Baby” — Chicago Rhythm Kings
3. “The Eel” — Eddie Condon, con Bud Freeman
4. “Relaxin’ at the Touro” — Muggsy Spanier’s Ragtime Band

Grabaciones esenciales de la escena de Chicago

Aunque proceden estilísticamente de Nueva Orleans, estas grabaciones realizadas en Chicago fueron decisivas para que el jazz pasara de la improvisación colectiva al predominio del solista:

• “Potato Head Blues” — Louis Armstrong and His Hot Seven, 1927
• “West End Blues” — Louis Armstrong and His Hot Five, 1928
• “Weather Bird” — Louis Armstrong y Earl Hines, 1928
• “Apex Blues” — Jimmie Noone’s Apex Club Orchestra, 1928
• “Four or Five Times” — Jimmie Noone’s Apex Club Orchestra, 1928
• “Chicago Rhythm” — Earl Hines Orchestra, 1929

Armstrong grabó sus históricos Hot Five y Hot Seven en Chicago entre 1925 y 1928; Jimmie Noone y Earl Hines fueron otras figuras centrales de la escena afroamericana de la ciudad.

Discografía recomendada

• Bix Beiderbecke — grabaciones completas de The Wolverines, 1924
• Frankie Trumbauer y Bix Beiderbecke — sesiones Okeh de 1927
• Bix Beiderbecke and His Gang — grabaciones de 1927–1928
• McKenzie and Condon’s Chicagoans — sesiones de 1927
• Louis Armstrong — The Complete Hot Five and Hot Seven Recordings
• Jimmie Noone — grabaciones de la Apex Club Orchestra, 1928–1929
• Eddie Condon y Bud Freeman — recopilaciones del Chicago Jazz de 1927–1933

Para una primera escucha: “Jazz Me Blues”, “Singin’ the Blues”, “I’m Coming Virginia”, “Nobody’s Sweetheart”, “West End Blues” y “Apex Blues”.

¿Qué es el Swing y el Big Band Jazz?

El swing dominó el jazz popular, aproximadamente, desde mediados de los años treinta hasta mediados de los cuarenta. Estaba pensado principalmente para el baile y se caracteriza por una pulsación fluida en cuatro tiempos, síncopas, riffs repetidos y una sensación rítmica de avance conocida como swing. Las orquestas de Count Basie aportaron un pulso especialmente ligero y continuo, mientras que Duke Ellington desarrolló una escritura orquestal basada en los timbres particulares de sus músicos.

Una big band suele dividirse en:

• Sección de saxofones y clarinetes.
• Sección de trompetas.
• Sección de trombones.
• Sección rítmica: piano, guitarra, contrabajo y batería.

Los arreglos alternan melodías escritas, riffs, diálogo entre secciones, solos improvisados y, frecuentemente, un poderoso shout chorus final. Conviene recordar que swing es también una manera de articular el ritmo: no todo swing necesita una big band ni toda música de big band pertenece al swing.

Temas esenciales

Precursores y primeros arreglistas

1. “Moten Swing” — Bennie Moten’s Kansas City Orchestra
2. “King Porter Stomp” — Fletcher Henderson / Benny Goodman
3. “Wrappin’ It Up” — Fletcher Henderson
4. “It Don’t Mean a Thing (If It Ain’t Got That Swing)” — Duke Ellington
5. “Rockin’ in Rhythm” — Duke Ellington

Fletcher Henderson ayudó a establecer la instrumentación y el lenguaje de arreglos de las big bands; Duke Ellington amplió ese modelo mediante combinaciones tímbricas muy personales.

Count Basie y el swing de Kansas City

1. “One O’Clock Jump” — 1937
2. “Jumpin’ at the Woodside” — 1938
3. “Lester Leaps In” — 1939
4. “Taxi War Dance” — 1939
5. “Swingin’ the Blues” — 1938

“One O’Clock Jump” es uno de los grandes himnos del swing. Surgió como un head arrangement: un arreglo desarrollado y memorizado por los músicos, basado en riffs y con amplio espacio para solistas como Lester Young, Herschel Evans y Buck Clayton.

Duke Ellington

1. “Cotton Tail” — 1940
2. “Ko-Ko” — 1940
3. “Concerto for Cootie” — 1940
4. “In a Mellow Tone” — 1940
5. “Take the ‘A’ Train” — 1941
6. “C Jam Blues” — 1942

Las grabaciones de Ellington realizadas entre 1940 y 1942, durante el periodo de Jimmy Blanton y Ben Webster, constituyen uno de los momentos culminantes de la escritura para orquesta de jazz.

Benny Goodman

1. “Stompin’ at the Savoy” — 1936
2. “Sing, Sing, Sing” — 1937
3. “Don’t Be That Way” — 1938
4. “One O’Clock Jump”, en directo en Carnegie Hall — 1938
5. “Honeysuckle Rose”, en directo en Carnegie Hall — 1938

El concierto de Goodman del 16 de enero de 1938 en Carnegie Hall fue uno de los acontecimientos emblemáticos de la era del swing y reunió a integrantes de sus grupos con músicos vinculados a Count Basie y Duke Ellington.

Otras orquestas fundamentales

1. “For Dancers Only” — Jimmie Lunceford
2. “Tain’t What You Do” — Jimmie Lunceford
3. “A-Tisket, A-Tasket” — Ella Fitzgerald con Chick Webb
4. “Begin the Beguine” — Artie Shaw
5. “Woodchopper’s Ball” — Woody Herman
6. “Flying Home” — Lionel Hampton
7. “In the Mood” — Glenn Miller
8. “Moonlight Serenade” — Glenn Miller
9. “Opus One” — Tommy Dorsey
10. “Minnie the Moocher” — Cab Calloway

Discografía recomendada

• Duke Ellington — grabaciones del periodo Blanton–Webster, 1940–1942
• Count Basie — grabaciones para Decca, 1937–1939
• Benny Goodman — The Famous 1938 Carnegie Hall Jazz Concert
• Fletcher Henderson — A Study in Frustration: The Fletcher Henderson Story
• Jimmie Lunceford — grabaciones para Decca de las décadas de 1930 y 1940
• Chick Webb y Ella Fitzgerald — grabaciones para Decca
• Artie Shaw — grabaciones de 1938–1939
• Varios artistas — Jazz: The Smithsonian Anthology
• Varios artistas — Swingin’: Big Band Swing and Jazz from the 1930s and 1940s

Para una primera escucha: “Moten Swing”, “One O’Clock Jump”, “Sing, Sing, Sing”, “Cotton Tail”, “Take the ‘A’ Train”, “For Dancers Only”, “Begin the Beguine” e “In the Mood”.

¿Qué es el Gypsy Jazz?

El gypsy jazz, también llamado jazz manouche o hot-club jazz, surgió en Francia durante los años treinta. Su figura central fue el guitarrista Django Reinhardt, quien fundó en 1934 el Quintette du Hot Club de France junto al violinista Stéphane Grappelli. La formación original empleaba guitarra solista, violín, dos guitarras rítmicas y contrabajo, sin piano ni batería.

El término inglés gypsy continúa siendo habitual como nombre del género, aunque puede considerarse ofensivo cuando se utiliza para designar a los pueblos romaníes; por ello también se emplean ampliamente jazz manouche o sinti jazz.

Sus características principales son:

• Ritmo de guitarra conocido como la pompe, que combina acordes breves y ataques percusivos para sustituir parcialmente a la batería.
• Sonido principalmente acústico.
• Guitarra solista y violín como voces principales.
• Improvisaciones basadas en arpegios, cromatismos, adornos y frases de swing.
• Repertorio formado por estándares estadounidenses, valses, música popular francesa y composiciones de Reinhardt.
• Alternancia entre temas muy rápidos y baladas de carácter melancólico.

La música combina el swing estadounidense con elementos de la música popular parisina —especialmente el musette— y tradiciones musicales sinti y romaníes. No es una variante del flamenco, aunque ambos estilos compartan la importancia de la guitarra.

Temas esenciales de Django Reinhardt

Quintette du Hot Club de France

1. “Dinah”
2. “Tiger Rag”
3. “Lady Be Good”
4. “I Saw Stars”
5. “Djangology”
6. “Limehouse Blues”
7. “Swing Guitars”
8. “Sweet Chorus”
9. “Minor Swing”
10. “Tears”
11. “Daphne”
12. “Stompin’ at Decca”
13. “Swing 39”
14. “Hungaria”

Las grabaciones del Quintette realizadas entre 1934 y 1940 contienen el núcleo histórico del estilo y muestran la interacción entre la guitarra de Reinhardt, el violín de Grappelli y el acompañamiento rítmico completamente acústico.

Periodo de la Segunda Guerra Mundial y posguerra

1. “Nuages”
2. “Swing 42”
3. “Belleville”
4. “Manoir de mes rêves”
5. “Douce Ambiance”
6. “Mélodie au crépuscule”
7. “Blues clair”
8. “Troublant Boléro”
9. “Anouman”
10. “Flèche d’Or”

Después de la separación temporal de Grappelli durante la guerra, Reinhardt utilizó frecuentemente el clarinete —especialmente el de Hubert Rostaing— en lugar del violín y amplió su lenguaje con influencias del jazz moderno.

Otros intérpretes y grabaciones representativas

1. “La Gitane” — Angelo Debarre
2. “Minor Blues” — Angelo Debarre
3. “For Sephora” — The Rosenberg Trio
4. “Bossa Dorado” — Dorado Schmitt
5. “Made in France” — Biréli Lagrène
6. “Place du Tertre” — Biréli Lagrène
7. “Swing Gitan” — Tchavolo Schmitt
8. “Clair de lune” — Romane

Biréli Lagrène, Stochelo Rosenberg, Angelo Debarre y otros continuadores han conservado el vocabulario de Reinhardt, incorporando ocasionalmente bebop, jazz moderno, bossa nova y técnicas contemporáneas de guitarra.

Discografía recomendada

• Django Reinhardt — Quintette du Hot Club de France: 25 Classics 1934–1940
  Introducción compacta a las grabaciones clásicas con Grappelli.
• Django Reinhardt — Retrospective 1934–1953
  Recorrido amplio desde el Quintette original hasta sus últimas grabaciones.
• Django Reinhardt — Djangology 49
  Reencuentro tardío con Grappelli, grabado en Roma en 1949.
• Biréli Lagrène — Gypsy Project
  Una actualización virtuosa y respetuosa del formato clásico.
• The Rosenberg Trio — Seresta
  Referencia importante de la escuela neerlandesa de jazz manouche.
• Angelo Debarre — Gypsy Guitars o Portrait of Angelo Debarre
  Interpretación muy ligada a la tradición romaní parisina.

Para una primera escucha: “Minor Swing”, “Djangology”, “Swing Guitars”, “Nuages”, “Belleville”, “Troublant Boléro”, “For Sephora” y “Made in France”.

¿Qué es el bebop?

El bebop —o simplemente bop— surgió en Nueva York a comienzos de los años cuarenta. Se desarrolló en sesiones nocturnas y jam sessions, especialmente alrededor de locales como Minton’s Playhouse. Sus principales creadores fueron Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Kenny Clarke, Bud Powell y Max Roach.

Frente a las grandes orquestas de swing, el bebop favoreció pequeños conjuntos, normalmente con saxofón, trompeta, piano, contrabajo y batería. Su música estaba menos orientada al baile y más centrada en la improvisación, la expresión individual y el virtuosismo.

Características principales

• Tempos rápidos, aunque también existen baladas y piezas a velocidad media.
• Armonías complejas: acordes extendidos y alterados, sustituciones y cambios rápidos.
• Melodías angulosas, cromáticas y difíciles de ejecutar.
• Frases largas que atraviesan las divisiones regulares del compás.
• Forma frecuente de tema–solos–tema.
• Contrabajo con walking bass y batería marcando el pulso principalmente en el plato.
• Acentos inesperados de bombo y caja, llamados coloquialmente bombs.
• Piano con acordes breves y sincopados —comping— en lugar de marcar continuamente el ritmo.
• Uso de progresiones de canciones conocidas para crear nuevas melodías, práctica llamada contrafact.

El bebop no es simplemente “jazz muy rápido”: su verdadera novedad está en la combinación de sofisticación armónica, libertad rítmica y un nuevo vocabulario melódico. La grabación de “Ko-Ko”, realizada por Charlie Parker en 1945, suele considerarse uno de sus documentos fundacionales.

Temas esenciales

Charlie Parker y Dizzy Gillespie

1. “Groovin’ High” — Dizzy Gillespie
2. “Salt Peanuts” — Dizzy Gillespie
3. “Hot House” — Dizzy Gillespie y Charlie Parker
4. “Shaw ’Nuff” — Dizzy Gillespie y Charlie Parker
5. “Ko-Ko” — Charlie Parker
6. “Billie’s Bounce” — Charlie Parker
7. “Now’s the Time” — Charlie Parker
8. “Ornithology” — Charlie Parker
9. “Anthropology” — Charlie Parker y Dizzy Gillespie
10. “A Night in Tunisia” — Dizzy Gillespie; versión de Charlie Parker
11. “Donna Lee” — Charlie Parker All Stars
12. “Scrapple from the Apple” — Charlie Parker
13. “Parker’s Mood” — Charlie Parker
14. “Bloomdido” — Charlie Parker y Dizzy Gillespie
15. “Confirmation” — Charlie Parker

Las grabaciones de Parker para Savoy y Dial, realizadas principalmente entre 1945 y 1948, contienen buena parte del vocabulario esencial del bebop.

Thelonious Monk

1. “’Round Midnight”
2. “Epistrophy”
3. “Well, You Needn’t”
4. “Ruby, My Dear”
5. “Misterioso”
6. “Straight, No Chaser”
7. “Evidence”

Monk representa el lado más compositivo y rítmicamente singular del bebop: silencios, disonancias, desplazamientos de acentos y melodías aparentemente irregulares. Sus primeras sesiones para Blue Note se recopilaron en Genius of Modern Music.

Bud Powell

1. “Tempus Fugit”
2. “Bouncing with Bud”
3. “Dance of the Infidels”
4. “Un Poco Loco”
5. “Parisian Thoroughfare”
6. “Celia”

Powell trasladó al piano la velocidad, el fraseo y la complejidad melódica de Parker. Su mano derecha funciona frecuentemente como una línea de saxofón, mientras la izquierda intercala acordes sincopados. Sus sesiones de 1949 y 1951 forman el núcleo de The Amazing Bud Powell, Vol. 1.

Otros temas fundamentales

1. “Our Delight” — Tadd Dameron y Fats Navarro
2. “Lady Bird” — Tadd Dameron
3. “The Squirrel” — Tadd Dameron y Fats Navarro
4. “Nostalgia” — Fats Navarro
5. “The Chase” — Dexter Gordon y Wardell Gray
6. “Dexter Rides Again” — Dexter Gordon
7. “Oop Bop Sh’Bam” — Dizzy Gillespie

Discografía recomendada

• Charlie Parker — The Complete Savoy & Dial Master Takes
  La colección básica para estudiar el lenguaje de Parker.
• Dizzy Gillespie — Groovin’ High
  Reúne sesiones fundamentales de mediados de los cuarenta, varias con Charlie Parker.
• Charlie Parker y Dizzy Gillespie — Bird and Diz
  Reencuentro de 1950, con Thelonious Monk al piano.
• Thelonious Monk — Genius of Modern Music, Vols. 1 y 2
  Sus composiciones esenciales para Blue Note.
• Bud Powell — The Amazing Bud Powell, Vol. 1
  Una de las referencias definitivas del piano bebop.
• Fats Navarro — The Fabulous Fats Navarro, Vols. 1 y 2
  Fundamental para comprender la evolución de la trompeta después de Gillespie.
• Charlie Parker y Dizzy Gillespie — Town Hall, New York City, June 22, 1945
  Testimonio en directo del bebop todavía en plena formación.
• The Quintet — Jazz at Massey Hall
  Con Parker, Gillespie, Bud Powell, Charles Mingus y Max Roach. El concierto tuvo lugar en 1953 y reunió en un solo grupo a cinco figuras centrales del jazz moderno.

Para una primera escucha: “Groovin’ High”, “Ko-Ko”, “Ornithology”, “Parker’s Mood”, “’Round Midnight”, “Un Poco Loco”, “Our Delight” y “Hot House” en Jazz at Massey Hall.

¿Qué es el jazz latino?

El jazz latino combina la improvisación, armonía y lenguaje instrumental del jazz con ritmos y tradiciones de América Latina y el Caribe. Históricamente, su núcleo principal fue el jazz afrocubano, también llamado cubop, desarrollado en Nueva York durante los años cuarenta por músicos como Mario Bauzá, Machito, Dizzy Gillespie y Chano Pozo. “Tanga”, grabada por Machito y sus Afro-Cubans en 1943, suele señalarse como una obra fundacional; “Manteca”, de Gillespie y Pozo, consolidó la unión entre bebop y percusión afrocubana.

Actualmente, el término también puede abarcar músicas puertorriqueñas, dominicanas, panameñas, brasileñas, argentinas, colombianas, venezolanas y afroperuanas. Por ello, jazz latino no designa un único ritmo, sino una familia de estilos.

Características principales

• Organización rítmica basada frecuentemente en la clave 3-2 o 2-3.
• Uso de ritmos como son, mambo, rumba, guaguancó, cha-cha-chá, bolero, samba, plena y merengue.
• Percusión con congas, bongós, timbales, campana, güiro y maracas.
• Piano con patrones repetitivos llamados montunos.
• Bajo con líneas sincopadas o tumbaos.
• Secciones de metales potentes y contrastes entre riffs y solos.
• Improvisación derivada del bebop, hard bop, jazz modal y fusión.
• Alternancia entre secciones escritas, improvisación y pasajes rítmicos colectivos.

La diferencia con la salsa es flexible: la salsa suele estar más orientada al canto y al baile, mientras el jazz latino concede mayor espacio a la improvisación instrumental y al desarrollo armónico. Muchos músicos, especialmente Tito Puente y Eddie Palmieri, trabajaron en ambos territorios.

Temas esenciales

Machito y Mario Bauzá: los fundamentos

1. “Tanga” — Machito and His Afro-Cubans
2. “No Noise” — Machito
3. “Mango Mangüé” — Machito
4. “Asia Minor” — Machito
5. “Afro-Cuban Jazz Suite” — Machito; composición de Chico O’Farrill
6. “Kenya” — Machito

La orquesta de Machito, dirigida musicalmente durante su etapa decisiva por Mario Bauzá, integró la clave, la percusión afrocubana, la improvisación y la escritura para big band. También consolidó la combinación de timbales, congas y bongós como sección habitual del jazz latino.

Dizzy Gillespie y Chano Pozo

1. “Manteca”
2. “Cubano Be, Cubano Bop”
3. “Tin Tin Deo”
4. “Algo Bueno”
5. “Con Alma”
6. “A Night in Tunisia”, en versiones afrocubanas

Gillespie trasladó los ritmos cubanos al contexto del bebop. Chano Pozo aportó no solo percusión, sino conocimiento de los cantos, estructuras y tradiciones afrocubanas que transformaron la orquesta de Gillespie.

Tito Puente y el mambo-jazz

1. “Ran Kan Kan”
2. “Mambo Inn”
3. “Picadillo”
4. “Hong Kong Mambo”
5. “Mambo Gozón”
6. “Oye cómo va”
7. “Nica’s Dream”
8. “Mambo Diablo”

Puente combinó mambo, jazz de big band, solos improvisados y un extraordinario protagonismo de los timbales. Su álbum Dance Mania representa especialmente bien la energía de las orquestas latinas neoyorquinas de finales de los cincuenta.

Cachao y la descarga cubana

1. “Descarga cubana”
2. “Malanga amarilla”
3. “A gozar timbero”
4. “Cógele el golpe”
5. “Cuba linda”

Las descargas eran sesiones cubanas comparables a las jam sessions: montunos, riffs y estructuras sencillas servían como base para la improvisación. Las sesiones organizadas por el contrabajista Israel “Cachao” López fueron decisivas para el jazz cubano y para la posterior salsa instrumental.

Cal Tjader, Mongo Santamaría y la Costa Oeste

1. “Soul Sauce —Guachi Guaro—” — Cal Tjader
2. “Cuban Fantasy” — Cal Tjader
3. “Mamblues” — Cal Tjader
4. “Sabor” — Cal Tjader
5. “Afro Blue” — Mongo Santamaría
6. “Watermelon Man” — Mongo Santamaría
7. “Mazacote” — Mongo Santamaría
8. “Sofrito” — Mongo Santamaría

Tjader creó una variante ligera y melódica, con el vibráfono como instrumento principal. Mongo Santamaría dio más protagonismo a la conga y conectó el jazz afrocubano con el soul, el funk y el rhythm and blues; su versión de “Watermelon Man” se convirtió en un modelo para numerosas fusiones posteriores.

Eddie Palmieri

1. “Azúcar”
2. “Vámonos pa’l monte”
3. “Un día bonito”
4. “Pa’ Huele”
5. “Palmas”
6. “Café”

Palmieri combinó montunos agresivos, estructuras bailables, armonía post-bop, improvisación extensa y experimentación orquestal. Su música se encuentra continuamente entre la salsa, el jazz afrocubano y la vanguardia.

Irakere y el jazz cubano moderno

1. “Bacalao con pan”
2. “Juana 1600”
3. “Misa negra”
4. “Chékere-son”
5. “Estela va a estallar”

Dirigido por Chucho Valdés, Irakere combinó ritmos rituales afrocubanos, son, bebop, jazz-rock, funk y música clásica. Entre sus integrantes estuvieron Paquito D’Rivera y Arturo Sandoval; su álbum internacional Irakere dio al grupo una enorme proyección fuera de Cuba.

Pianistas y solistas modernos

1. “Mambo influenciado” — Chucho Valdés
2. “Caridad Amaro” — Chucho Valdés
3. “Claudia” — Chucho Valdés
4. “Nueva cubana” — Gonzalo Rubalcaba
5. “Supernova” — Gonzalo Rubalcaba
6. “Caribe” — Michel Camilo
7. “Why Not?” — Michel Camilo
8. “From Within” — Michel Camilo
9. “A mis abuelos” — Arturo Sandoval
10. “Funky Cha-Cha” — Arturo Sandoval
11. “Snow Samba” — Paquito D’Rivera

Estos músicos ampliaron el jazz latino mediante armonías modernas, virtuosismo, funk, jazz modal y formas de concierto. Live at the Village Vanguard, de Chucho Valdés, y Live at the Blue Note, de Michel Camilo, son referencias importantes del piano latino contemporáneo.

Otras corrientes latinoamericanas

1. “Bahía” — Gato Barbieri
2. “La China Leoncia” — Gato Barbieri
3. “Last Tango in Paris” — Gato Barbieri
4. “PanaMonk” — Danilo Pérez
5. “Melaza” — David Sánchez
6. “Jíbaro” — Miguel Zenón
7. “Esta plena” — Miguel Zenón
8. “The Afro Latin Jazz Suite” — Arturo O’Farrill
9. “The Gathering” — Caribbean Jazz Project

Estas obras incorporan tango y folclore argentino, música panameña, tradiciones puertorriqueñas, ritmos afrocaribeños y otros lenguajes regionales. Muestran cómo el concepto de jazz latino se ha ampliado más allá de su núcleo afrocubano.

Discografía esencial

Fundamentos afrocubanos

• Machito — Afro-Cuban Jazz Suite
• Machito — Kenya
• Dizzy Gillespie — Afro
• Tito Puente — Puente in Percussion
• Tito Puente — Dance Mania
• Cachao — Cuban Jam Sessions in Miniature

Desarrollo durante los años sesenta y setenta

• Cal Tjader — Soul Sauce
• Mongo Santamaría — Mongo at the Village Gate
• Eddie Palmieri — Azúcar Pa’ Ti
• Eddie Palmieri — The Sun of Latin Music
• Gato Barbieri — Chapter One: Latin America
• Irakere — Irakere

Jazz latino moderno

• Paquito D’Rivera — Portraits of Cuba
• Chucho Valdés — Live at the Village Vanguard
• Gonzalo Rubalcaba — Discovery: Live at Montreux
• Michel Camilo — Live at the Blue Note
• Poncho Sánchez — Latin Soul
• Caribbean Jazz Project — The Gathering
• Arturo O’Farrill & The Afro Latin Jazz Orchestra — Song for Chico
• Miguel Zenón — Jíbaro
• Danilo Pérez — PanaMonk
• Varios artistas — Calle 54: Music from the Motion Picture

Como recorrido inicial: “Tanga” → “Manteca” → “Afro-Cuban Jazz Suite” → “Ran Kan Kan” → “Descarga cubana” → “Soul Sauce” → “Azúcar” → “Misa negra” → “Mambo influenciado” → “Caribe” → “Jíbaro”.

¿Qué es el cool jazz?

El cool jazz surgió a finales de los años cuarenta como una alternativa más contenida al bebop. Conservó su armonía sofisticada y su énfasis en la improvisación, pero redujo la agresividad sonora: volumen moderado, poco vibrato, fraseo lírico, secciones rítmicas discretas y frecuente uso del contrapunto.

La referencia fundacional son las sesiones del noneto de Miles Davis de 1949–1950, posteriormente reunidas en Birth of the Cool. La formación incorporaba instrumentos poco habituales en un pequeño conjunto de jazz —como trompa y tuba— y concedía gran importancia a los arreglos, los colores orquestales y el equilibrio entre las distintas voces.

Características principales

• Sonido relajado y controlado, aunque no necesariamente lento.
• Menor vibrato y articulación más ligera que en el bebop.
• Melodías amplias, claras y líricas.
• Contrapunto: varias líneas melódicas simultáneas.
• Arreglos detallados y timbres poco habituales.
• Batería y contrabajo menos explosivos, pero todavía con swing.
• Preferencia por la interacción del grupo antes que por largas exhibiciones individuales.
• Influencias de Lester Young, Claude Thornhill y algunos procedimientos de la música clásica europea.

El West Coast jazz fue una corriente del cool desarrollada principalmente en California durante los años cincuenta. Los dos términos suelen confundirse, pero no todo cool jazz fue californiano: Miles Davis, Gil Evans, Lennie Tristano y Lee Konitz realizaron buena parte de su trabajo en Nueva York.

Temas esenciales

Miles Davis y Birth of the Cool

1. “Move”
2. “Jeru”
3. “Moon Dreams”
4. “Venus de Milo”
5. “Boplicity”
6. “Israel”
7. “Rocker”
8. “Godchild”

Estas piezas condensan el nuevo lenguaje: arreglos transparentes, dinámicas moderadas y una sonoridad intermedia entre un combo y una pequeña orquesta. Gerry Mulligan compuso o arregló varias de ellas, entre las que se encuentran “Jeru”, “Venus de Milo” y “Rocker”.

Lennie Tristano, Lee Konitz y Warne Marsh

1. “Subconscious-Lee” — Lee Konitz
2. “Tautology” — Lee Konitz
3. “Progression” — Lee Konitz
4. “Marshmallow” — Warne Marsh
5. “Intuition” — Lennie Tristano
6. “Digression” — Lennie Tristano
7. “317 East 32nd” — Lennie Tristano

Esta escuela desarrolló una variante especialmente cerebral: líneas largas, ritmo flexible, contrapunto improvisado y un fraseo deliberadamente alejado de los clichés del blues.

Gerry Mulligan y Chet Baker

1. “Bernie’s Tune”
2. “Lullaby of the Leaves”
3. “Line for Lyons”
4. “Walkin’ Shoes”
5. “Nights at the Turntable”
6. “My Funny Valentine”

El cuarteto sin piano de Mulligan y Baker utilizaba trompeta, saxofón barítono, contrabajo y batería. La ausencia de piano dejaba mayor espacio armónico y permitía que los dos instrumentos de viento desarrollaran melodías simultáneas. En 1953 era ya una de las formaciones más destacadas de la escena de Los Ángeles.

Chet Baker

1. “But Not for Me”
2. “There Will Never Be Another You”
3. “I Fall in Love Too Easily”
4. “Let’s Get Lost”
5. “The Thrill Is Gone”

Su trompeta y su voz comparten una estética íntima, frágil y poco enfática. Chet Baker Sings, grabado para Pacific Jazz en 1954 y 1956, es una de las referencias más populares del cool vocal.

Dave Brubeck y Paul Desmond

1. “Take Five”
2. “Blue Rondo à la Turk”
3. “Strange Meadow Lark”
4. “In Your Own Sweet Way”
5. “The Duke”
6. “Three to Get Ready”

El Dave Brubeck Quartet combinó la estética cool con contrapunto, formas próximas a la música de cámara y experimentación métrica. Time Out —con Brubeck, Paul Desmond, Eugene Wright y Joe Morello— apareció en 1959 e incluye “Take Five” y “Blue Rondo à la Turk”.

Modern Jazz Quartet

1. “Django”
2. “Vendome”
3. “Concorde”
4. “Fontessa”
5. “Milano”

El Modern Jazz Quartet combinó improvisación bebop, precisión de conjunto, contrapunto y procedimientos derivados de la música clásica. Su instrumentación —vibráfono, piano, contrabajo y batería— favorecía una sonoridad clara y contenida.

Stan Getz y otros representantes

1. “Early Autumn” — Woody Herman, solo de Stan Getz
2. “Moonlight in Vermont” — Stan Getz
3. “Four Brothers” — Woody Herman
4. “Short Stop” — Shorty Rogers
5. “The Train and the River” — Jimmy Giuffre
6. “A Gem from Tiffany” — Shelly Manne
7. “Softly, as in a Morning Sunrise” — Modern Jazz Quartet

El sonido ligero y lírico de Lester Young fue una influencia decisiva para saxofonistas asociados al cool, entre ellos Stan Getz.

Discografía recomendada

• Miles Davis — Birth of the Cool
  Punto de partida fundamental del estilo.
• Miles Davis — The Complete Birth of the Cool
  Añade las interpretaciones en directo del noneto.
• Lee Konitz — Subconscious-Lee
  Referencia esencial de la escuela de Lennie Tristano.
• Lennie Tristano — Crosscurrents
  Incluye parte de su trabajo más avanzado de finales de los años cuarenta.
• Gerry Mulligan — The Original Quartet with Chet Baker
  Modelo definitivo del cuarteto sin piano.
• Chet Baker — Chet Baker Sings
  Cool jazz instrumental y vocal de gran intimidad.
• Dave Brubeck Quartet — Time Out
  Cool jazz unido a la experimentación con compases irregulares.
• Modern Jazz Quartet — Django
  Equilibrio entre improvisación, blues y música de cámara.
• Stan Getz — West Coast Jazz
  Una buena muestra del sonido relajado y lírico del saxofón tenor.
• Shorty Rogers — Modern Sounds
  Una de las primeras referencias del West Coast jazz.
• Shelly Manne — The West Coast Sound
  Ejemplo representativo de la escena californiana de los años cincuenta.

Para una primera escucha: “Boplicity”, “Moon Dreams”, “Subconscious-Lee”, “Bernie’s Tune”, “My Funny Valentine”, “Django”, “Take Five” y “Moonlight in Vermont”.

¿Qué es el hard bop?

El hard bop surgió a mediados de los años cincuenta como una evolución del bebop. Conservó su complejidad armónica y su virtuosismo, pero recuperó con mayor intensidad elementos del blues, el góspel, el rhythm and blues y la tradición afroamericana de iglesia.

Sus principales figuras fueron Art Blakey, Horace Silver, Clifford Brown, Max Roach, Miles Davis, Sonny Rollins, Hank Mobley, Lee Morgan y Cannonball Adderley. Sellos como Blue Note, Prestige y Riverside fueron fundamentales para su desarrollo.

Características principales

• Sonido más fuerte, cálido y terrenal que el cool jazz.
• Ritmos intensos y marcada presencia de la batería.
• Melodías basadas frecuentemente en riffs, blues y respuestas de tipo góspel.
• Improvisación bebop, pero con mayor énfasis en el groove.
• Formación habitual de quinteto: trompeta, saxofón, piano, contrabajo y batería.
• Alternancia entre temas rápidos, blues, baladas y piezas de inspiración religiosa.

El hard bop no fue un rechazo del bebop, sino una ampliación de su lenguaje. El soul jazz es una derivación más accesible, repetitiva y cercana al góspel y al rhythm and blues; el post-bop, en cambio, incorporó estructuras más abiertas, modalidad y mayor libertad armónica.

Temas esenciales

Precursores

1. “Walkin’” — Miles Davis
2. “Solar” — Miles Davis
3. “Airegin” — Miles Davis con Sonny Rollins
4. “Doodlin’” — Horace Silver
5. “The Preacher” — Horace Silver

Walkin’, grabada en 1954, suele considerarse una de las primeras declaraciones claras del nuevo estilo.

Clifford Brown y Max Roach

1. “Joy Spring”
2. “Daahoud”
3. “Parisian Thoroughfare”
4. “Gertrude’s Bounce”
5. “Pent-Up House”
6. “Delilah”

El quinteto de Clifford Brown y Max Roach estableció un modelo de virtuosismo, energía rítmica y equilibrio entre composición e improvisación.

Art Blakey and the Jazz Messengers

1. “Moanin’”
2. “Blues March”
3. “Along Came Betty”
4. “Are You Real?”
5. “A Night in Tunisia”
6. “Dat Dere”
7. “The Freedom Rider”

Los Jazz Messengers fueron una auténtica escuela del hard bop. Por el grupo pasaron músicos como Lee Morgan, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Benny Golson y Wynton Marsalis.

Horace Silver

1. “Señor Blues”
2. “Sister Sadie”
3. “Juicy Lucy”
4. “Finger Poppin’”
5. “Nica’s Dream”
6. “Song for My Father”

Silver aportó melodías memorables, ritmos contundentes y una mezcla muy personal de blues, góspel, música latina y bebop.

Sonny Rollins

1. “St. Thomas”
2. “Blue 7”
3. “Tenor Madness”
4. “Oleo”
5. “Pent-Up House”
6. “Decision”

Rollins desarrolló una improvisación basada en la transformación constante de pequeños motivos melódicos y rítmicos.

John Coltrane

1. “Blue Train”
2. “Moment’s Notice”
3. “Lazy Bird”
4. “Locomotion”
5. “Soultrane”

Blue Train es uno de los discos emblemáticos del hard bop, aunque Coltrane pronto avanzó hacia el jazz modal y el post-bop.

Hank Mobley y Sonny Clark

1. “Remember” — Hank Mobley
2. “Dig Dis” — Hank Mobley
3. “Soul Station” — Hank Mobley
4. “Cool Struttin’” — Sonny Clark
5. “Blue Minor” — Sonny Clark
6. “Melody for C” — Sonny Clark

Mobley representa el lado más equilibrado y lírico del saxofón hard bop; Sonny Clark, uno de sus estilos pianísticos más elegantes.

Lee Morgan

1. “The Sidewinder”
2. “Search for the New Land”
3. “Ceora”
4. “Speedball”
5. “Totem Pole”

The Sidewinder convirtió una combinación de hard bop, blues y rhythm and blues en un inesperado éxito comercial.

Cannonball y Nat Adderley

1. “This Here”
2. “Work Song”
3. “Jive Samba”
4. “Sack o’ Woe”
5. “Mercy, Mercy, Mercy”

Estas grabaciones se encuentran en la frontera entre hard bop y soul jazz, con gran presencia del góspel y del groove.

Otros temas fundamentales

1. “Blues Walk” — Lou Donaldson
2. “Una Más” — Kenny Dorham
3. “Lotus Blossom” — Kenny Dorham
4. “Open Sesame” — Freddie Hubbard
5. “Cheese Cake” — Dexter Gordon
6. “Page One” / “Recorda Me” — Joe Henderson
7. “Midnight Blue” — Kenny Burrell
8. “Appointment in Ghana” — Jackie McLean
9. “Somethin’ Else” — Cannonball Adderley

Discografía esencial

• Miles Davis — Walkin’, 1954
  Una de las grabaciones fundacionales del estilo.
• Clifford Brown and Max Roach — Study in Brown, 1955
  Modelo del quinteto hard bop temprano.
• Sonny Rollins — Saxophone Colossus, 1956
  Improvisación temática, calipso y blues.
• John Coltrane — Blue Train, 1957
  Composiciones elaboradas y una formación excepcional.
• Sonny Clark — Cool Struttin’, 1958
  Uno de los ejemplos más puros del sonido Blue Note.
• Cannonball Adderley — Somethin’ Else, 1958
  Con Miles Davis, Hank Jones, Sam Jones y Art Blakey.
• Art Blakey and the Jazz Messengers — Moanin’, 1958
  El arquetipo del hard bop con influencias de blues y góspel.
• Horace Silver — Finger Poppin’, 1959
  Riffs directos, composiciones concisas y gran sentido rítmico.
• Hank Mobley — Soul Station, 1960
  Una de las cumbres del saxofón tenor hard bop.
• Art Blakey and the Jazz Messengers — A Night in Tunisia, 1960
  Intensidad rítmica y una extraordinaria actuación de Lee Morgan.
• Kenny Dorham — Una Más, 1963
  Hard bop refinado con influencias latinas.
• Lee Morgan — The Sidewinder, 1963
  El hard bop acercándose al soul jazz.
• Kenny Burrell — Midnight Blue, 1963
  Blues, groove y guitarra de gran elegancia.
• Dexter Gordon — Go!, 1962
  Saxofón tenor robusto, lírico y profundamente ligado al bebop.
• Joe Henderson — Page One, 1963
  Transición entre el hard bop clásico y el post-bop.
• Horace Silver — Song for My Father, 1964
  Una de las obras más populares y reconocibles del género.

Para una primera escucha: “Walkin’”, “Joy Spring”, “Moanin’”, “Blues March”, “Blue Train”, “Cool Struttin’”, “Soul Station”, “The Sidewinder” y “Song for My Father”.

¿Qué es el jazz modal?

El jazz modal surgió durante la segunda mitad de los años cincuenta como una alternativa a la armonía compleja del bebop y el hard bop. En vez de improvisar sobre progresiones con muchos acordes, los músicos trabajan durante periodos más largos sobre uno o varios modos o escalas.

El compositor y teórico George Russell fue uno de sus principales precursores. Sus ideas influyeron en Miles Davis y Bill Evans, y Miles las llevó a una forma especialmente influyente en Kind of Blue, de 1959.

Características principales

• Pocos acordes o cambios armónicos más lentos.
• Uso de modos como dórico, mixolidio, lidio y frigio.
• Pedales: notas graves mantenidas o repetidas.
• Mayor libertad melódica y rítmica para el solista.
• Melodías sencillas, abiertas y atmosféricas.
• Importancia de la interacción colectiva.
• Frecuente sensación hipnótica, contemplativa o espiritual.

No toda composición modal utiliza un solo modo. Muchas alternan varias escalas o combinan secciones modales con armonía tradicional. Tampoco debe confundirse completamente con el post-bop, que incorpora la modalidad, pero también estructuras irregulares, armonía ambigua y elementos del free jazz.

Temas esenciales

Precursores

1. “Ezz-Thetic” — George Russell
2. “Concerto for Billy the Kid” — George Russell
3. “Peace Piece” — Bill Evans
4. “Milestones” — Miles Davis

“Milestones”, grabada en 1958, es una de las primeras composiciones modales fundamentales de Miles Davis. Su estructura reduce los cambios armónicos y permite improvisar extensamente sobre dos áreas modales.

Miles Davis y Kind of Blue

1. “So What”
2. “Flamenco Sketches”
3. “All Blues”
4. “Blue in Green”

Kind of Blue es la referencia central del jazz modal. En “So What”, los improvisadores trabajan principalmente sobre dos centros dóricos; “Flamenco Sketches” utiliza una sucesión de cinco escalas o ambientes modales. El álbum reunió a Miles Davis, John Coltrane, Cannonball Adderley, Bill Evans, Wynton Kelly, Paul Chambers y Jimmy Cobb.

John Coltrane

1. “My Favorite Things”
2. “Olé”
3. “India”
4. “Impressions”
5. “Spiritual”
6. “Africa”
7. “Wise One”
8. “Acknowledgement”
9. “Resolution”

Coltrane transformó el jazz modal en una música más intensa y espiritual. En “My Favorite Things” y “Impressions” empleó extensas improvisaciones sobre pocos acordes; posteriormente, A Love Supreme convirtió ese lenguaje en una suite de carácter religioso. La obra fue grabada el 9 de diciembre de 1964 y publicada en 1965.

Herbie Hancock

1. “Cantaloupe Island”
2. “Oliloqui Valley”
3. “Maiden Voyage”
4. “The Eye of the Hurricane”
5. “Dolphin Dance”

Hancock combinó la modalidad con armonías impresionistas, grooves y estructuras de post-bop. Maiden Voyage, grabado con Freddie Hubbard, George Coleman, Ron Carter y Tony Williams, contiene varias de sus composiciones más duraderas.

Wayne Shorter

1. “Juju”
2. “Witch Hunt”
3. “Speak No Evil”
4. “Footprints”
5. “Night Dreamer”
6. “Infant Eyes”

La música de Shorter se encuentra en la frontera entre jazz modal y post-bop. Sus composiciones utilizan centros tonales ambiguos y estructuras que orientan al improvisador sin imponerle progresiones convencionales. Speak No Evil, grabado en 1964, es una de sus obras esenciales.

McCoy Tyner

1. “Passion Dance”
2. “Contemplation”
3. “Search for Peace”
4. “Peresina”
5. “Sama Layuca”

Tyner desarrolló un estilo pianístico basado en acordes por cuartas, pedales graves, ritmos poderosos y escalas pentatónicas. Después de su etapa con Coltrane continuó ampliando este lenguaje en discos como The Real McCoy.

Otros temas representativos

1. “Little Sunflower” — Freddie Hubbard
2. “Mode for Joe” — Joe Henderson
3. “Inner Urge” — Joe Henderson
4. “Black Fire” — Andrew Hill
5. “Evolution” — Grachan Moncur III
6. “Idle Moments” — Grant Green
7. “Reaching Fourth” — McCoy Tyner
8. “The Creator Has a Master Plan” — Pharoah Sanders
9. “Journey in Satchidananda” — Alice Coltrane

Los últimos ejemplos amplían la modalidad hacia el post-bop, la vanguardia y el llamado jazz espiritual.

Discografía esencial

• George Russell — The Jazz Workshop, 1956
  Antecedente teórico y compositivo.
• Miles Davis — Milestones, 1958
  Transición entre hard bop y modalidad.
• Miles Davis — Kind of Blue, 1959
  La obra fundamental del jazz modal y una de las grabaciones más influyentes de la historia del jazz.
• John Coltrane — My Favorite Things, 1961
  Improvisación modal extensa y consolidación del saxofón soprano de Coltrane.
• John Coltrane — Olé Coltrane, 1961
  Modalidad con influencias españolas y norteafricanas.
• John Coltrane — Impressions, 1963
  Contiene una de las demostraciones definitivas de improvisación modal.
• Herbie Hancock — Empyrean Isles, 1964
  Modalidad, post-bop y groove dentro de un cuarteto sin saxofón.
• Wayne Shorter — Juju, 1964
  Composiciones oscuras y abiertas, con fuerte influencia de Coltrane.
• Wayne Shorter — Speak No Evil, 1964
  Equilibrio excepcional entre hard bop, modalidad y post-bop.
• John Coltrane — A Love Supreme, 1965
  Suite espiritual basada en motivos, pedales y ambientes modales.
• Herbie Hancock — Maiden Voyage, 1965
  Modalidad atmosférica y extraordinaria interacción colectiva.
• Wayne Shorter — Adam’s Apple, 1966
  Incluye la composición modal “Footprints”.
• McCoy Tyner — The Real McCoy, 1967
  Una síntesis de modalidad, intensidad rítmica y post-bop.
• Alice Coltrane — Journey in Satchidananda, 1971
  Desarrollo espiritual y transcultural del lenguaje modal.

Para una primera escucha: “Milestones”, “So What”, “Flamenco Sketches”, “My Favorite Things”, “Impressions”, “Maiden Voyage”, “Footprints”, “Passion Dance” y “Acknowledgement”.

¿Qué es el free jazz?

El free jazz surgió a finales de los años cincuenta y se consolidó durante los sesenta. Sus principales impulsores fueron Ornette Coleman, Cecil Taylor, Eric Dolphy, John Coltrane, Albert Ayler, Don Cherry, Archie Shepp y Sun Ra.

El estilo cuestionó las reglas habituales del bebop y del hard bop: progresiones fijas de acordes, compases regulares, formas cerradas y turnos de solos claramente delimitados. Sin embargo, “libre” no significa necesariamente caótico ni carente de estructura. Muchas obras se organizan mediante motivos, centros tonales, texturas, señales, contrastes dinámicos o procedimientos acordados por el grupo. La música de Ornette Coleman, por ejemplo, mantuvo una relación profunda con el blues, el swing y la improvisación colectiva.

Características principales

• Armonía libre o sin progresiones de acordes predeterminadas.
• Pulso flexible; puede haber swing, ritmo irregular o ausencia de métrica fija.
• Improvisación colectiva, sin una separación rígida entre solista y acompañamiento.
• Uso expresivo de disonancias, registros extremos y técnicas instrumentales extendidas.
• Mayor libertad en la afinación, el timbre y la construcción de las frases.
• Influencia del blues, la música africana, la música contemporánea y, posteriormente, tradiciones no occidentales.
• Importancia de la interacción inmediata: cada músico transforma la dirección del conjunto.

El free jazz estadounidense suele conservar vínculos claros con el blues y la tradición afroamericana. La improvisación libre europea, desarrollada posteriormente, puede prescindir incluso de esos referentes. El término avant-garde jazz es más amplio y también incluye música experimental muy compuesta o estructurada.

Temas esenciales

Ornette Coleman

1. “Lonely Woman”
2. “Eventually”
3. “Congeniality”
4. “Peace”
5. “Ramblin’”
6. “Beauty Is a Rare Thing”
7. “Free Jazz”
8. “European Echoes”

The Shape of Jazz to Come, publicado en 1959, es uno de los puntos de partida fundamentales. Aunque elimina el acompañamiento armónico del piano, conserva melodías reconocibles, blues, pulso y gran comunicación entre Coleman, Don Cherry, Charlie Haden y Billy Higgins. “Lonely Woman” se convirtió en la composición más conocida de Coleman.

Cecil Taylor

1. “Excursion on a Wobbly Rail”
2. “Air”
3. “Steps”
4. “Enter, Evening”
5. “Unit Structure/As of a Now/Section”
6. “Conquistador”

Taylor desarrolló una música pianística de gran densidad rítmica, con clusters, estructuras fragmentarias y una concepción casi percusiva del piano. Unit Structures, grabado en 1966, es una de las cumbres de la vanguardia de mediados de los sesenta.

Eric Dolphy

1. “Hat and Beard”
2. “Something Sweet, Something Tender”
3. “Gazzelloni”
4. “Out to Lunch”
5. “Straight Up and Down”

Dolphy combinó escritura detallada e improvisación abierta. Su lenguaje empleaba grandes intervalos, cambios repentinos de registro y sonidos poco convencionales en saxofón alto, flauta y clarinete bajo. Out to Lunch!, grabado en febrero de 1964, fue su último álbum de estudio como líder y su obra más representativa.

John Coltrane

1. “Chasin’ the Trane”
2. “Ascension”
3. “Meditations”
4. “The Father and the Son and the Holy Ghost”
5. “Leo”
6. “Interstellar Space”

Durante sus últimos años, Coltrane llevó la modalidad hacia una improvisación mucho más libre, intensa y espiritual. Ascension combina grandes secciones de improvisación colectiva con solos individuales; Interstellar Space reduce el conjunto a un diálogo extremo entre el saxofón de Coltrane y la batería de Rashied Ali. Impulse fue el sello principal de esta etapa experimental.

Albert Ayler

1. “Ghosts”
2. “Spirits”
3. “The Wizard”
4. “Bells”
5. “Truth Is Marching In”

Ayler mezcló melodías similares a marchas, himnos o canciones populares con una ejecución de enorme intensidad: gritos instrumentales, multifónicos, vibrato exagerado y cambios extremos de registro. En su música, el timbre y el gesto pueden ser tan importantes como las notas y la armonía.

Don Cherry y Archie Shepp

1. “Complete Communion” — Don Cherry
2. “Elephantasy” — Don Cherry
3. “Where Is Brooklyn?” — Don Cherry
4. “Hambone” — Archie Shepp
5. “Malcolm, Malcolm—Semper Malcolm” — Archie Shepp
6. “The Magic of Ju-Ju” — Archie Shepp

Cherry desarrolló la improvisación de Coleman e incorporó progresivamente músicas de África, Asia y Oriente Medio. Complete Communion, grabado en 1965, fue su primer álbum como líder. Shepp dio al free jazz una dimensión especialmente política, teatral y vinculada al blues, la poesía y el movimiento por los derechos civiles.

Sun Ra, Chicago y Europa

1. “The Heliocentric Worlds of Sun Ra” — Sun Ra
2. “The Magic City” — Sun Ra
3. “People in Sorrow” — Art Ensemble of Chicago
4. “A Jackson in Your House” — Art Ensemble of Chicago
5. “Levels and Degrees of Light” — Muhal Richard Abrams
6. “For Alto” — Anthony Braxton
7. “Machine Gun” — Peter Brötzmann
8. “European Echoes” — Alexander von Schlippenbach

Sun Ra combinó improvisación libre, escritura orquestal, percusión, electrónica y una estética afrofuturista. La escena de Chicago vinculada a la AACM amplió el lenguaje mediante instrumentos pequeños, silencio, teatro y composición experimental. En Europa, músicos como Brötzmann y Schlippenbach desarrollaron una improvisación más abrasiva y progresivamente independiente del modelo estadounidense.

Frontera con el jazz espiritual

1. “The Creator Has a Master Plan” — Pharoah Sanders
2. “Upper Egypt and Lower Egypt” — Pharoah Sanders
3. “Journey in Satchidananda” — Alice Coltrane
4. “Karma” — Pharoah Sanders
5. “Black Unity” — Pharoah Sanders

Estas obras combinan pasajes de improvisación libre con modalidad, ostinatos, percusión africana o asiática y una orientación espiritual. No son free jazz puro, pero representan una de sus prolongaciones más importantes.

Discografía esencial

• Ornette Coleman — The Shape of Jazz to Come, 1959
• Ornette Coleman — Change of the Century, 1960
• Ornette Coleman — Free Jazz: A Collective Improvisation, 1961
• Cecil Taylor — Unit Structures, 1966
• Cecil Taylor — Conquistador!, 1966
• Eric Dolphy — Out to Lunch!, 1964
• Albert Ayler — Spiritual Unity, 1964
• John Coltrane — Ascension, 1966
• John Coltrane — Meditations, 1966
• John Coltrane — Interstellar Space, grabado en 1967
• Don Cherry — Complete Communion, 1966
• Archie Shepp — Fire Music, 1965
• Sun Ra — The Heliocentric Worlds of Sun Ra, 1965
• Pharoah Sanders — Karma, 1969
• Art Ensemble of Chicago — People in Sorrow, 1969
• Anthony Braxton — For Alto, 1969
• Peter Brötzmann — Machine Gun, 1968

Como recorrido inicial: “Lonely Woman” → “Free Jazz” → “Hat and Beard” → “Ghosts” → “Unit Structures” → “Ascension” → “The Magic of Ju-Ju” → “People in Sorrow”.

¿Qué es el soul jazz?

El soul jazz apareció a mediados de los años cincuenta y alcanzó su mayor popularidad durante los sesenta. Deriva del hard bop, pero acentúa todavía más las influencias del blues, el góspel, el rhythm and blues y la música de iglesia afroamericana. Su objetivo suele ser menos cerebral que el bebop: melodías directas, riffs memorables, improvisaciones expresivas y un groove que conecta inmediatamente con el público.

Una formación especialmente característica es el trío de órgano Hammond B-3, guitarra y batería, a veces ampliado con saxofón. El órgano puede realizar simultáneamente acordes, melodías y líneas de bajo, produciendo una sonoridad cálida, densa y cercana al góspel. Jimmy Smith fue la figura decisiva en la popularización de este formato.

Características principales

• Uso frecuente de blues y estructuras armónicas relativamente sencillas.
• Riffs repetitivos y melodías fáciles de recordar.
• Respuestas entre instrumentos con carácter de góspel.
• Ritmos medios o lentos con mucho groove.
• Presencia de backbeat, shuffle, boogaloo y ritmos de R&B.
• Sonido cálido, expresivo y frecuentemente “terrenal”.
• Solos basados más en el ritmo, el blues y la intensidad que en la complejidad armónica.
• Predominio del Hammond B-3, saxofón tenor, guitarra y batería.

El límite con el hard bop es flexible: Horace Silver, Cannonball Adderley o Lee Morgan pueden pertenecer a ambos estilos. El jazz-funk posterior suele utilizar más bajo eléctrico, teclados eléctricos, síncopas de funk y ritmos rectos de semicorcheas.

Temas esenciales

Horace Silver

1. “Doodlin’”
2. “The Preacher”
3. “Señor Blues”
4. “Sister Sadie”
5. “Filthy McNasty”
6. “Song for My Father”

Silver combinó la armonía del bebop con riffs de blues, figuras de góspel y ritmos latinos. “Song for My Father” añade influencias caboverdianas y de bossa nova al característico piano bluesístico del compositor.

Jimmy Smith

1. “The Sermon”
2. “Home Cookin’”
3. “Back at the Chicken Shack”
4. “Midnight Special”
5. “Prayer Meetin’”
6. “The Champ”

En “Back at the Chicken Shack” y “Midnight Special”, Smith aparece junto al saxofonista Stanley Turrentine, el guitarrista Kenny Burrell y el batería Donald Bailey. Estas sesiones representan el modelo clásico de soul jazz con órgano: blues, swing relajado y una interacción muy espontánea.

Cannonball y Nat Adderley

1. “This Here”
2. “Sack o’ Woe”
3. “Work Song”
4. “Jive Samba”
5. “Mercy, Mercy, Mercy”
6. “Country Preacher”
7. “Why Am I Treated So Bad”

El grupo de Cannonball Adderley mezcló hard bop, blues, góspel y repertorio popular. “Mercy, Mercy, Mercy”, compuesta por Joe Zawinul, se convirtió en uno de los mayores éxitos de cruce entre jazz, soul y público popular.

Grant Green

1. “Miss Ann’s Tempo”
2. “Blues for Willarene”
3. “No. 1 Green Street”
4. “Sookie Sookie”
5. “Ain’t It Funky Now”
6. “Let the Music Take Your Mind”

Green desarrolló un estilo de guitarra muy melódico, basado en líneas de una sola nota y profundamente relacionado con el blues. Su debut, Grant’s First Stand, empleaba el formato de órgano, guitarra y batería característico del soul jazz.

Lou Donaldson

1. “Blues Walk”
2. “Funky Mama”
3. “Alligator Bogaloo”
4. “Midnight Creeper”
5. “The Thang”
6. “Everything I Play Is Funky”

“Alligator Bogaloo” combina hard bop, soul jazz y un ritmo bailable cercano al R&B. La grabación reunió a Donaldson con George Benson, Lonnie Smith, Melvin Lastie y Leo Morris, posteriormente conocido como Idris Muhammad.

Stanley Turrentine

1. “Look Out”
2. “That’s Where It’s At”
3. “Blue Riff”
4. “Let It Go”
5. “Sugar”

Turrentine poseía un sonido de saxofón tenor robusto y vocal, ideal para el blues y las baladas. Además de sus grabaciones como líder, fue una voz esencial en los discos de Jimmy Smith Back at the Chicken Shack y Midnight Special.

Otros clásicos del órgano

1. “Rock Candy” — Brother Jack McDuff
2. “Hot Barbecue” — Brother Jack McDuff
3. “Misty” — Richard “Groove” Holmes
4. “Groove’s Groove” — Richard “Groove” Holmes
5. “Think!” — Dr. Lonnie Smith
6. “Move Your Hand” — Dr. Lonnie Smith
7. “The Worm” — Jimmy McGriff
8. “I’ve Got a Woman” — Jimmy McGriff

La versión de “Misty” grabada por Groove Holmes en 1965 fue uno de sus mayores éxitos. Dr. Lonnie Smith continuó la tradición del Hammond B-3 en discos como Think! y Move Your Hand, hoy considerados clásicos del soul jazz.

Soul jazz de gran popularidad

1. “The ‘In’ Crowd” — Ramsey Lewis Trio
2. “Wade in the Water” — Ramsey Lewis
3. “Compared to What” — Les McCann y Eddie Harris
4. “Cold Duck Time” — Les McCann y Eddie Harris
5. “Young Rabbits” — The Jazz Crusaders
6. “Put It Where You Want It” — The Crusaders

“The ‘In’ Crowd” permitió que Ramsey Lewis llegara al público del pop y el R&B sin abandonar el formato de trío de jazz. Swiss Movement, de Les McCann y Eddie Harris, contiene las célebres interpretaciones en directo de “Compared to What” y “Cold Duck Time”, grabadas en el Festival de Montreux de 1969.

Discografía esencial

• Horace Silver — Six Pieces of Silver
• Horace Silver — Blowin’ the Blues Away
• Horace Silver — Song for My Father
• Jimmy Smith — Home Cookin’
• Jimmy Smith — Back at the Chicken Shack
• Jimmy Smith — Midnight Special
• Jimmy Smith — Prayer Meetin’
• Cannonball Adderley Quintet — In San Francisco
• Cannonball Adderley — Mercy, Mercy, Mercy! Live at “The Club”
• Cannonball Adderley — Country Preacher
• Grant Green — Grant’s First Stand
• Lou Donaldson — Alligator Bogaloo
• Stanley Turrentine — That’s Where It’s At
• Stanley Turrentine — Sugar
• Brother Jack McDuff — The Honeydripper
• Richard “Groove” Holmes — Soul Message
• Ramsey Lewis Trio — The In Crowd
• Les McCann y Eddie Harris — Swiss Movement
• Dr. Lonnie Smith — Think!
• Dr. Lonnie Smith — Move Your Hand

Como recorrido inicial: “The Preacher” → “Back at the Chicken Shack” → “This Here” → “Work Song” → “Alligator Bogaloo” → “The ‘In’ Crowd” → “Mercy, Mercy, Mercy” → “Compared to What”.

¿Qué es la bossa nova?

La bossa nova surgió en Río de Janeiro a finales de los años cincuenta como una renovación íntima y armónicamente sofisticada del samba. Sus figuras centrales fueron João Gilberto, creador de una revolucionaria batida de guitarra; Antônio Carlos Jobim, principal compositor y arreglista; y Vinicius de Moraes, autor de muchas de sus letras esenciales.

El álbum Canção do amor demais de Elizeth Cardoso, publicado en 1958, anticipó el estilo con la guitarra de João Gilberto en “Chega de saudade” y “Outra vez”. La versión de “Chega de saudade” grabada posteriormente por João y su primer LP de 1959 consolidaron definitivamente el nuevo lenguaje.

Características principales

• Guitarra de cuerdas de nailon tocada con los dedos.
• Bajo en los pulsos fuertes y acordes sincopados que resumen patrones del samba.
• Canto íntimo, casi hablado, con poco vibrato.
• Volumen moderado y gran precisión rítmica.
• Acordes con séptimas, novenas, oncenas y alteraciones.
• Melodías líricas, cromáticas y cuidadosamente relacionadas con la armonía.
• Letras sobre el amor, la saudade, la vida urbana, el mar y el paisaje de Río.
• Influencia del jazz moderno, pero con una identidad rítmica esencialmente brasileña.

La bossa nova no es simplemente “jazz tocado suavemente”: su fundamento es el samba transformado, especialmente mediante la relación flexible entre voz y guitarra.

Temas esenciales de bossa nova

João Gilberto, Jobim y Vinicius

1. “Chega de saudade” — João Gilberto
2. “Bim Bom” — João Gilberto
3. “Desafinado” — João Gilberto
4. “Corcovado” — João Gilberto
5. “Samba de uma nota só” — João Gilberto
6. “Outra vez” — João Gilberto
7. “O amor em paz” — João Gilberto
8. “Insensatez” — João Gilberto
9. “Água de beber” — Antônio Carlos Jobim
10. “Garota de Ipanema” — João Gilberto, Stan Getz y Astrud Gilberto
11. “Só danço samba” — João Gilberto y Stan Getz
12. “Vivo sonhando” — Antônio Carlos Jobim
13. “Dindi” — Antônio Carlos Jobim
14. “Fotografia” — Antônio Carlos Jobim
15. “Wave” — Antônio Carlos Jobim
16. “Triste” — Antônio Carlos Jobim

La versión de “Garota de Ipanema” grabada por Stan Getz, João Gilberto, Jobim y Astrud Gilberto en 1963 contribuyó decisivamente a popularizar la bossa nova fuera de Brasil.

Otros compositores e intérpretes fundamentales

1. “O Barquinho” — Roberto Menescal
2. “Você” — Roberto Menescal
3. “Nós e o mar” — Roberto Menescal
4. “Minha namorada” — Carlos Lyra
5. “Você e eu” — Carlos Lyra
6. “Coisa mais linda” — Carlos Lyra
7. “Primavera” — Carlos Lyra
8. “Samba de verão” — Marcos Valle
9. “Deus brasileiro” — Marcos Valle
10. “Preciso aprender a ser só” — Marcos Valle
11. “Telefone” — Roberto Menescal
12. “Manhã de carnaval” — Luiz Bonfá
13. “Samba de Orfeu” — Luiz Bonfá
14. “Você abusou” — Antônio Carlos y Jocafi

Bossa nova y jazz estadounidense

1. “Desafinado” — Stan Getz y Charlie Byrd
2. “Samba Dees Days” — Stan Getz y Charlie Byrd
3. “Samba Triste” — Stan Getz y Charlie Byrd
4. “Corcovado” — Stan Getz, João Gilberto y Astrud Gilberto
5. “Doralice” — Stan Getz y João Gilberto
6. “O grande amor” — Stan Getz y João Gilberto
7. “Once I Loved” — Frank Sinatra y Antônio Carlos Jobim
8. “How Insensitive” — Wes Montgomery
9. “Wave” — Oscar Peterson
10. “Recorda Me” — Joe Henderson

Discos como Jazz Samba y Getz/Gilberto adaptaron el repertorio brasileño al lenguaje improvisatorio del jazz estadounidense. Sin embargo, la bossa nova ya se había desarrollado y consolidado en Brasil antes de alcanzar esa difusión internacional.

Jazz brasileño más allá de la bossa nova

El término jazz brasileño es mucho más amplio. Incluye el samba-jazz, los afro-sambas, la música instrumental brasileña, el choro moderno y distintas fusiones con baião, frevo, maracatú, funk y jazz eléctrico.

Samba-jazz y música instrumental

1. “Influência do jazz” — Carlos Lyra
2. “Mas que nada” — Jorge Ben
3. “Samba da minha terra” — Tamba Trio
4. “Borandá” — Tamba Trio
5. “Zimbo samba” — Zimbo Trio
6. “Samba novo” — Edson Machado
7. “Nanã” — Moacir Santos
8. “Coisa nº 5” — Moacir Santos
9. “Coisa nº 10” — Moacir Santos
10. “Vera Cruz” — Milton Nascimento

Afro-samba y ritmos del nordeste

1. “Berimbau” — Baden Powell y Vinicius de Moraes
2. “Canto de Ossanha” — Baden Powell y Vinicius de Moraes
3. “Consolação” — Baden Powell
4. “Tristeza e solidão” — Baden Powell
5. “Ponteio” — Edu Lobo
6. “Upa, neguinho” — Edu Lobo
7. “O ovo” — Quarteto Novo
8. “Vim de Santana” — Quarteto Novo

Jazz brasileño moderno y fusión

1. “Bebê” — Hermeto Pascoal
2. “Música das nuvens e do chão” — Hermeto Pascoal
3. “Misturada” — Airto Moreira
4. “Tombo in 7/4” — Airto Moreira
5. “Dr. Jive” — Flora Purim
6. “Dança das cabeças” — Egberto Gismonti y Naná Vasconcelos
7. “Frevo” — Egberto Gismonti
8. “Vera Cruz” — Toninho Horta
9. “Beijo partido” — Toninho Horta

Discografía esencial

Bossa nova

• Elizeth Cardoso — Canção do amor demais, 1958
• João Gilberto — Chega de saudade, 1959
• João Gilberto — O amor, o sorriso e a flor, 1960
• João Gilberto — João Gilberto, 1961
• Stan Getz y Charlie Byrd — Jazz Samba, 1962
• Antônio Carlos Jobim — The Composer of Desafinado, Plays, 1963
• Stan Getz y João Gilberto — Getz/Gilberto, 1964
• Antônio Carlos Jobim — Wave, 1967
• Frank Sinatra y Antônio Carlos Jobim — Francis Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim, 1967
• Elis Regina y Antônio Carlos Jobim — Elis & Tom, 1974

Samba-jazz y jazz brasileño

• Tamba Trio — Tamba Trio, 1962
• Edson Machado — É samba novo, 1964
• Zimbo Trio — Zimbo Trio, 1964
• Moacir Santos — Coisas, 1965
• Baden Powell y Vinicius de Moraes — Os afro-sambas, 1966
• Quarteto Novo — Quarteto Novo, 1967
• Hermeto Pascoal — Slaves Mass, 1977
• Airto Moreira — Fingers, 1973
• Flora Purim — Butterfly Dreams, 1973
• Egberto Gismonti y Naná Vasconcelos — Dança das cabeças, 1977

Coisas, de Moacir Santos, es una referencia central de la escritura orquestal brasileña, mientras Wave muestra el lenguaje de Jobim en un contexto instrumental y orquestal cercano al jazz.

Como recorrido inicial: “Chega de saudade” → “Desafinado” → “Corcovado” → “Garota de Ipanema” → “Wave” → “Influência do jazz” → “Canto de Ossanha” → “Coisa nº 5” → “Bebê”.

¿Qué es el post-bop?

El post-bop surgió durante la primera mitad de los años sesenta como una ampliación del bebop y el hard bop. No fue un movimiento con reglas fijas, sino una denominación amplia para músicos que mezclaron:

• La armonía y el virtuosismo del bebop.
• La intensidad del hard bop.
• La libertad melódica del jazz modal.
• Algunos recursos del free jazz.
• Nuevas formas compositivas y una interacción rítmica más abierta.

Sus figuras centrales incluyen a Miles Davis, Wayne Shorter, Herbie Hancock, Joe Henderson, Andrew Hill, McCoy Tyner, Jackie McLean, Eric Dolphy, Tony Williams, Bobby Hutcherson, Sam Rivers y Larry Young. El catálogo de Blue Note de los años sesenta fue especialmente importante para este lenguaje.

Características principales

• Armonías ambiguas y cambios de acordes poco previsibles.
• Combinación de pasajes tonales, modales y cromáticos.
• Formas asimétricas o diferentes de los habituales 12 y 32 compases.
• Melodías angulosas, con intervalos amplios.
• Ritmos cambiantes y desplazamientos de acentos.
• Mayor libertad para contrabajo, piano y batería.
• Frontera flexible entre acompañamiento y solo.
• Uso del swing, aunque puede transformarse o desaparecer temporalmente.
• Equilibrio entre composición estructurada e improvisación abierta.

El Segundo Gran Quinteto de Miles Davis, activo de manera estable entre finales de 1964 y 1968, fue uno de los modelos fundamentales: Miles Davis, Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams trataban las composiciones como estructuras que podían reorganizarse durante la interpretación.

Diferencias con estilos cercanos

El hard bop suele mantener formas más convencionales y una relación más directa con el blues y el góspel. El jazz modal se concentra en escalas y centros tonales relativamente estables. El free jazz puede abandonar casi completamente acordes, compás y forma. El post-bop emplea recursos de todos ellos, pero normalmente conserva una composición reconocible y algún tipo de organización armónica o rítmica.

Temas esenciales

Miles Davis y el Segundo Gran Quinteto

1. “E.S.P.”
2. “Agitation”
3. “Footprints”
4. “Orbits”
5. “Freedom Jazz Dance”
6. “Circle”
7. “Nefertiti”
8. “Fall”
9. “Pinocchio”
10. “Riot”
11. “Masqualero”
12. “Prince of Darkness”
13. “Country Son”
14. “Black Comedy”

En estas grabaciones, el quinteto transforma constantemente el tempo, la métrica, la armonía y la función de cada instrumento. Nefertiti es especialmente representativa: la melodía se repite mientras la sección rítmica desarrolla variaciones, invirtiendo la relación tradicional entre “tema” e improvisación. Las sesiones de estudio de 1965 a 1968 están reunidas en The Complete Columbia Studio Recordings of the Miles Davis Quintet.

Wayne Shorter

1. “Night Dreamer”
2. “Juju”
3. “Witch Hunt”
4. “Speak No Evil”
5. “Infant Eyes”
6. “Wild Flower”
7. “Adam’s Apple”
8. “El Gaucho”
9. “Tom Thumb”
10. “Schizophrenia”

Shorter es probablemente el compositor más representativo del post-bop. Sus obras combinan melodías memorables con armonías que parecen sugerir varias direcciones simultáneas. Speak No Evil equilibra la energía del hard bop con una armonía tonal muy flexible; Adam’s Apple y Schizophrenia llevan esa escritura hacia estructuras todavía más abiertas.

Herbie Hancock

1. “One Finger Snap”
2. “Oliloqui Valley”
3. “Maiden Voyage”
4. “The Eye of the Hurricane”
5. “Dolphin Dance”
6. “The Sorcerer”
7. “Speak Like a Child”
8. “Riot”

Hancock aportó armonías impresionistas, acordes ambiguos y una gran sensibilidad para el espacio. Maiden Voyage une modalidad, composición temática e interacción post-bop; Speak Like a Child amplía el lenguaje mediante colores orquestales poco habituales.

Joe Henderson

1. “Inner Urge”
2. “Isotope”
3. “El Barrio”
4. “Punjab”
5. “Black Narcissus”
6. “In ’n Out”

Henderson combina el fraseo del bebop con ritmos irregulares, armonías modales y una sonoridad de tenor muy personal. Inner Urge es una de las referencias principales de su etapa Blue Note y muestra la estrecha relación que mantuvo con McCoy Tyner y Elvin Jones.

Andrew Hill

1. “Black Fire”
2. “Pumpkin”
3. “Refuge”
4. “New Monastery”
5. “Spectrum”
6. “Dedication”

Hill amplió el bop “desde dentro”: sus composiciones emplean melodías laberínticas, estructuras complejas y una concepción muy elástica del tiempo, sin abandonar por completo la armonía ni la forma. Black Fire y Point of Departure son sus obras fundamentales.

Eric Dolphy, Jackie McLean y Grachan Moncur III

1. “Hat and Beard” — Eric Dolphy
2. “Out to Lunch” — Eric Dolphy
3. “Something Sweet, Something Tender” — Eric Dolphy
4. “Love and Hate” — Jackie McLean / Grachan Moncur III
5. “Esoteric” — Jackie McLean / Grachan Moncur III
6. “Evolution” — Grachan Moncur III

Estas grabaciones están en la frontera entre post-bop y vanguardia. Mantienen composiciones detalladas, pero utilizan armonías abiertas, instrumentaciones poco convencionales y una improvisación más libre. Los discos de McLean One Step Beyond y Destination… Out! se movían deliberadamente entre ambos territorios.

Sam Rivers, Larry Young y otros

1. “Fuchsia Swing Song” — Sam Rivers
2. “Beatrice” — Sam Rivers
3. “Cyclic Episode” — Sam Rivers
4. “Zoltan” — Larry Young
5. “The Moontrane” — Larry Young
6. “Beyond All Limits” — Larry Young
7. “Passion Dance” — McCoy Tyner
8. “Contemplation” — McCoy Tyner
9. “Search for Peace” — McCoy Tyner
10. “Little B’s Poem” — Bobby Hutcherson

Sam Rivers conservó vínculos con el blues y el post-bop mientras se aproximaba a la vanguardia. Larry Young trasladó la modalidad y las estructuras abiertas al órgano Hammond B-3, alejándolo del formato tradicional del soul jazz; Unity es su gran obra en este terreno.

Discografía esencial

• Eric Dolphy — Out to Lunch!
• Andrew Hill — Black Fire
• Andrew Hill — Point of Departure
• Jackie McLean — Destination… Out!
• Grachan Moncur III — Evolution
• Herbie Hancock — Empyrean Isles
• Herbie Hancock — Maiden Voyage
• Wayne Shorter — Juju
• Wayne Shorter — Speak No Evil
• Wayne Shorter — Adam’s Apple
• Joe Henderson — Inner Urge
• Sam Rivers — Fuchsia Swing Song
• Tony Williams — Life Time
• Tony Williams — Spring
• Larry Young — Unity
• Miles Davis — E.S.P.
• Miles Davis — Miles Smiles
• Miles Davis — Sorcerer
• Miles Davis — Nefertiti
• McCoy Tyner — The Real McCoy
• Herbie Hancock — Speak Like a Child
• Bobby Hutcherson — Dialogue

Como recorrido inicial: “E.S.P.” → “Witch Hunt” → “Maiden Voyage” → “Inner Urge” → “New Monastery” → “Out to Lunch” → “Fuchsia Swing Song” → “The Moontrane” → “Nefertiti”.

¿Qué es el jazz fusión?

El jazz fusión surgió a finales de los años sesenta cuando músicos de jazz incorporaron instrumentos eléctricos, ritmos y volumen procedentes del rock, el funk, el soul y el rhythm and blues. Conservó la improvisación y la sofisticación armónica del jazz, pero añadió guitarra eléctrica, bajo eléctrico, sintetizadores, Fender Rhodes, efectos de estudio y baterías más contundentes.

Miles Davis fue decisivo con In a Silent Way y, especialmente, Bitches Brew. Este último combinó conjuntos eléctricos, improvisaciones extensas, ritmos de rock y R&B, y una producción basada en edición, reverberación y montaje de distintas tomas. Varios participantes formarían después grupos fundamentales como Weather Report, Return to Forever y Mahavishnu Orchestra.

Características principales

• Instrumentos eléctricos y amplificados.
• Improvisación jazzística sobre grooves repetitivos.
• Influencia del rock progresivo, funk, soul y músicas latinoamericanas.
• Compases irregulares y frecuentes cambios métricos.
• Solos largos y gran virtuosismo instrumental.
• Uso de pedales, distorsión, sintetizadores y efectos de estudio.
• Formas más abiertas que el formato tradicional tema–solos–tema.
• Mayor protagonismo del bajo y la batería.

Dentro de la fusión pueden distinguirse dos tendencias principales:

• Jazz-rock: más agresivo y virtuoso, con guitarras distorsionadas, ritmos complejos y energía cercana al rock progresivo.
• Jazz-funk: centrado en grooves repetitivos, bajo eléctrico, clavinet, sintetizadores, ritmos bailables y estructuras frecuentemente más sencillas.

Precursores y Miles Davis

1. “Stuff” — Miles Davis
2. “In a Silent Way” — Miles Davis
3. “It’s About That Time” — Miles Davis
4. “Pharaoh’s Dance” — Miles Davis
5. “Bitches Brew” — Miles Davis
6. “Spanish Key” — Miles Davis
7. “Miles Runs the Voodoo Down” — Miles Davis
8. “Right Off” — Miles Davis
9. “Black Satin” — Miles Davis
10. “Rated X” — Miles Davis

In a Silent Way presenta el lado atmosférico y contemplativo de la fusión, mientras Bitches Brew intensifica los ritmos eléctricos y la experimentación del estudio. A Tribute to Jack Johnson se acerca más directamente al rock; On the Corner anticipa el jazz-funk, el hip-hop y la música electrónica mediante capas rítmicas repetitivas.

Tony Williams Lifetime

1. “Emergency”
2. “Vuelta Abajo”
3. “Spectrum”
4. “To Whom It May Concern”
5. “There Comes a Time”

Tony Williams formó Lifetime junto al organista Larry Young y el guitarrista John McLaughlin. El grupo combinó improvisación de vanguardia, órgano Hammond, guitarra distorsionada y la potencia rítmica del rock; su álbum Emergency! es uno de los documentos fundacionales de la fusión.

Mahavishnu Orchestra

1. “Meeting of the Spirits”
2. “Dawn”
3. “The Noonward Race”
4. “You Know, You Know”
5. “The Dance of Maya”
6. “Birds of Fire”
7. “Celestial Terrestrial Commuters”
8. “One Word”

La Mahavishnu Orchestra de John McLaughlin representa el lado más intenso del jazz-rock: guitarra distorsionada, violín eléctrico, sintetizadores, gran velocidad y métricas irregulares. McLaughlin había participado previamente en Lifetime y en álbumes eléctricos fundamentales de Miles Davis.

Return to Forever y Chick Corea

1. “Spain”
2. “500 Miles High”
3. “La Fiesta”
4. “Hymn of the Seventh Galaxy”
5. “Captain Señor Mouse”
6. “Vulcan Worlds”
7. “Sorceress”
8. “The Romantic Warrior”

La primera formación de Return to Forever combinaba jazz eléctrico con bossa nova y ritmos latinoamericanos. Más tarde, con Stanley Clarke, Al Di Meola y Lenny White, el grupo se orientó hacia un jazz-rock más potente y virtuoso. Light as a Feather contiene “Spain” y “500 Miles High”, dos de las composiciones más conocidas de Corea.

Weather Report

1. “Boogie Woogie Waltz”
2. “Mysterious Traveller”
3. “Nubian Sundance”
4. “Black Market”
5. “Cannon Ball”
6. “Birdland”
7. “Teen Town”
8. “A Remark You Made”
9. “Palladium”
10. “Havona”

Weather Report, formado por Joe Zawinul y Wayne Shorter, desarrolló una fusión menos dependiente de largos solos individuales. Su música se basaba en texturas colectivas, sintetizadores, percusión internacional y composiciones cuidadosamente construidas. La entrada del bajista Jaco Pastorius aportó un uso revolucionario del bajo eléctrico sin trastes. Heavy Weather, de 1977, incluye “Birdland”, “Teen Town” y “A Remark You Made”.

Herbie Hancock y el jazz-funk

1. “Chameleon”
2. “Watermelon Man”, versión de Head Hunters
3. “Sly”
4. “Vein Melter”
5. “Palm Grease”
6. “Actual Proof”
7. “Spank-A-Lee”
8. “Hang Up Your Hang Ups”
9. “Doin’ It”

Con Head Hunters, Herbie Hancock combinó improvisación jazzística con funk inspirado por James Brown y Sly and the Family Stone. “Chameleon” se construye sobre un riff de sintetizador y bajo; la nueva versión de “Watermelon Man” incorpora percusión y sonoridades de inspiración africana. El grupo profundizó este lenguaje en Thrust, especialmente en “Actual Proof”.

Billy Cobham y los grandes instrumentistas

1. “Stratus” — Billy Cobham
2. “Quadrant 4” — Billy Cobham
3. “Red Baron” — Billy Cobham
4. “School Days” — Stanley Clarke
5. “Lopsy Lu” — Stanley Clarke
6. “Continuum” — Jaco Pastorius
7. “Come On, Come Over” — Jaco Pastorius
8. “Race with Devil on Spanish Highway” — Al Di Meola
9. “Led Boots” — Jeff Beck
10. “Cause We’ve Ended as Lovers” — Jeff Beck

Spectrum, de Billy Cobham, es una referencia por su combinación de batería virtuosa, grooves funk y guitarra eléctrica. Jaco Pastorius redefinió el bajo eléctrico mediante armónicos, acordes, melodías solistas y un fraseo comparable al de los instrumentos de viento.

Jazz-funk y fusión soul

1. “Black Byrd” — Donald Byrd
2. “Change (Makes You Want to Hustle)” — Donald Byrd
3. “Places and Spaces” — Donald Byrd
4. “Expansions” — Lonnie Liston Smith
5. “Mister Magic” — Grover Washington Jr.
6. “Red Clay” — Freddie Hubbard
7. “Everybody Loves the Sunshine” — Roy Ayers
8. “Running Away” — Roy Ayers
9. “Some Skunk Funk” — The Brecker Brothers
10. “Reach for It” — George Duke
11. “Westchester Lady” — Bob James
12. “Put It Where You Want It” — The Crusaders

Esta corriente enfatizó el groove y la conexión con el funk, el soul y la música de baile. Sellos como CTI, Kudu y Blue Note fueron importantes para su expansión. Con el tiempo, parte de este lenguaje conduciría al acid jazz, el hip-hop instrumental y determinadas formas de música electrónica.

Fusión lírica y moderna

1. “Phase Dance” — Pat Metheny Group
2. “Jaco” — Pat Metheny
3. “Are You Going with Me?” — Pat Metheny Group
4. “Bright Size Life” — Pat Metheny
5. “Feels So Good” — Chuck Mangione
6. “Morning Dance” — Spyro Gyra
7. “Angela” — Bob James
8. “Maputo” — Bob James y David Sanborn

Pat Metheny desarrolló una fusión más lírica y atmosférica, con influencias del folk, el jazz modal, la música brasileña y la tecnología electrónica. En los años ochenta, parte de esta corriente se acercó al contemporary jazz y al smooth jazz, aunque los límites entre esos estilos son variables.

Discografía esencial

Fundamentos

• Miles Davis — In a Silent Way, 1969
• Tony Williams Lifetime — Emergency!, 1969
• Miles Davis — Bitches Brew, 1970
• Miles Davis — A Tribute to Jack Johnson, 1971
• Miles Davis — On the Corner, 1972

Jazz-rock

• Mahavishnu Orchestra — The Inner Mounting Flame, 1971
• Mahavishnu Orchestra — Birds of Fire, 1973
• Billy Cobham — Spectrum, 1973
• Return to Forever — Hymn of the Seventh Galaxy, 1973
• Return to Forever — Romantic Warrior, 1976
• Al Di Meola — Elegant Gypsy, 1977
• Jeff Beck — Wired, 1976

Fusión atmosférica y latinoamericana

• Chick Corea and Return to Forever — Light as a Feather, 1973
• Weather Report — Mysterious Traveller, 1974
• Weather Report — Black Market, 1976
• Weather Report — Heavy Weather, 1977
• Jaco Pastorius — Jaco Pastorius, 1976
• Pat Metheny — Bright Size Life, 1976
• Pat Metheny Group — Pat Metheny Group, 1978

Jazz-funk

• Herbie Hancock — Head Hunters, 1973
• Herbie Hancock — Thrust, 1974
• Donald Byrd — Black Byrd, 1973
• Donald Byrd — Places and Spaces, 1975
• Lonnie Liston Smith — Expansions, 1975
• The Brecker Brothers — The Brecker Bros., 1975
• George Duke — Reach for It, 1977
• Roy Ayers Ubiquity — Everybody Loves the Sunshine, 1976

Como recorrido inicial: “In a Silent Way” → “Bitches Brew” → “Emergency” → “Meeting of the Spirits” → “Spain” → “Stratus” → “Chameleon” → “Black Market” → “Birdland” → “Actual Proof” → “Phase Dance”.

¿Qué es el jazz vocal?

El jazz vocal no corresponde a un único estilo ni a una sola época: es una tradición que atraviesa toda la historia del jazz. La voz puede narrar una letra, alterar libremente una melodía, dialogar con el conjunto o funcionar como un instrumento improvisador. Su identidad surge del fraseo rítmico, la relación personal con el texto, el swing, el timbre, la dinámica y la capacidad de transformar una canción conocida en una interpretación irrepetible.

Entre sus recursos fundamentales están el scat, improvisación con sílabas sin significado; el vocalese, que añade letras a solos instrumentales ya existentes; la variación melódica; el desplazamiento de acentos; la anticipación o el retraso deliberado de las frases; y la interacción espontánea con la sección rítmica. La frontera con el blues, el gospel, la bossa nova y la canción popular es permeable: lo decisivo es el modo de interpretar e improvisar, no solamente el repertorio.

Características principales

• Fraseo flexible: la melodía puede adelantarse, retrasarse o reorganizarse respecto al pulso.
• Interpretación de la letra como relato, comentario personal o drama musical.
• Improvisación melódica mediante scat, paráfrasis y variación.
• Uso expresivo del timbre, la dicción, el vibrato, el registro y la dinámica.
• Interacción con los instrumentos y adaptación a nuevos arreglos, tonalidades y tempos.
• Reinvención continua de estándares, blues, canciones teatrales y composiciones originales.

Raíces: blues clásico, Nueva Orleans y la voz instrumental

Las cantantes de blues clásico llevaron al disco una tradición en la que texto, inflexión y ritmo eran inseparables. Poco después, Louis Armstrong modificó para siempre la manera de cantar música popular: trasladó a la voz la libertad rítmica de su trompeta, convirtió el scat en un lenguaje de difusión masiva y mostró que un intérprete podía rehacer por completo una melodía.

1. “St. Louis Blues” — Bessie Smith con Louis Armstrong, 1925
2. “Heebie Jeebies” — Louis Armstrong and His Hot Five, 1926
3. “Creole Love Call” — Duke Ellington con Adelaide Hall, 1927
4. “Basin Street Blues” — Louis Armstrong, 1928
5. “Am I Blue?” — Ethel Waters, 1929

La era del swing: cantante, orquesta y canción

Durante los años treinta y cuarenta, la voz pasó a ser una figura central de las grandes orquestas. Ella Fitzgerald combinó precisión, alegría rítmica y una extraordinaria imaginación para el scat. Billie Holiday, con un registro más limitado pero una concepción rítmica radical, convirtió cada letra en experiencia autobiográfica. Ivie Anderson, Mildred Bailey, Jimmy Rushing y Big Joe Turner muestran la variedad que existía entre la canción de orquesta, el blues y el jazz.

1. “Rockin’ Chair” — Mildred Bailey, 1932
2. “It Don’t Mean a Thing (If It Ain’t Got That Swing)” — Duke Ellington con Ivie Anderson, 1932
3. “What a Little Moonlight Can Do” — Billie Holiday con Teddy Wilson, 1935
4. “A-Tisket, A-Tasket” — Ella Fitzgerald con Chick Webb, 1938
5. “Sent for You Yesterday” — Jimmy Rushing con Count Basie, 1938
6. “Roll ’Em Pete” — Big Joe Turner con Pete Johnson, 1938
7. “Strange Fruit” — Billie Holiday, 1939
8. “God Bless the Child” — Billie Holiday, 1941

El Great American Songbook

El Great American Songbook no es un libro único ni un catálogo cerrado. Es el nombre dado al repertorio de canciones populares estadounidenses —en especial las procedentes de Broadway, Tin Pan Alley y Hollywood— que alcanzaron una vida independiente de sus obras originales. Sus melodías claras, formas equilibradas y armonías ricas ofrecieron a los músicos de jazz un terreno ideal para la reharmonización y la improvisación.

Los compositores y letristas más influyentes incluyen a Irving Berlin; George e Ira Gershwin; Cole Porter; Richard Rodgers y Lorenz Hart; Jerome Kern y Oscar Hammerstein II; Harold Arlen y Yip Harburg; Harold Arlen y Johnny Mercer; Hoagy Carmichael; Dorothy Fields; Jimmy Van Heusen y Johnny Burke; y, desde el propio jazz, Duke Ellington y Billy Strayhorn.

1. “Cheek to Cheek” — Irving Berlin; Ella Fitzgerald y Louis Armstrong
2. “I Got Rhythm” — George e Ira Gershwin; Ella Fitzgerald
3. “Love for Sale” — Cole Porter; Ella Fitzgerald
4. “My Funny Valentine” — Richard Rodgers y Lorenz Hart; Chet Baker
5. “All the Things You Are” — Jerome Kern y Oscar Hammerstein II; Ella Fitzgerald
6. “Over the Rainbow” — Harold Arlen y Yip Harburg; Sarah Vaughan
7. “Come Rain or Come Shine” — Harold Arlen y Johnny Mercer; Billie Holiday
8. “Skylark” — Hoagy Carmichael y Johnny Mercer; Carmen McRae
9. “The Way You Look Tonight” — Jerome Kern y Dorothy Fields; Frank Sinatra
10. “Like Someone in Love” — Jimmy Van Heusen y Johnny Burke; Ella Fitzgerald
11. “Satin Doll” — Duke Ellington, Billy Strayhorn y Johnny Mercer; Ella Fitzgerald
12. “Lush Life” — Billy Strayhorn; Johnny Hartman y John Coltrane

Entre 1956 y 1964, los álbumes Song Book de Ella Fitzgerald dedicados a Porter, Rodgers y Hart, Ellington, Berlin, los Gershwin, Kern, Arlen y Mercer ayudaron a fijar este repertorio como canon internacional. Sin embargo, las canciones se mantienen vivas precisamente porque cada generación modifica el tempo, la armonía, el fraseo y el significado del texto.

Bebop: la voz como instrumento improvisador

El bebop exigió a los cantantes una agilidad comparable a la de saxofonistas y trompetistas. Ella Fitzgerald extendió el vocabulario del scat; Sarah Vaughan incorporó la armonía, los contornos melódicos y las inflexiones del bop con un control vocal excepcional; Nat King Cole unió el swing de su trío con una dicción conversacional; y Anita O’Day trató las sílabas como material rítmico.

1. “Let Me Off Uptown” — Anita O’Day con Gene Krupa y Roy Eldridge, 1941
2. “Straighten Up and Fly Right” — Nat King Cole Trio, 1943
3. “Lover Man” — Sarah Vaughan, 1945
4. “Mean to Me” — Sarah Vaughan con Dizzy Gillespie y Charlie Parker, 1945
5. “(Get Your Kicks on) Route 66” — Nat King Cole Trio, 1946
6. “Oh, Lady Be Good!” — Ella Fitzgerald, 1947
7. “How High the Moon” — Ella Fitzgerald, versión en Berlín, 1960

La edad del álbum vocal: década de 1950 y comienzos de 1960

El micrófono, el disco de larga duración y los arreglos orquestales permitieron construir identidades vocales muy distintas. Sarah Vaughan exploró la armonía y el color; Ella Fitzgerald alcanzó una síntesis entre canción e improvisación; Carmen McRae privilegió el sentido de la letra; Frank Sinatra desarrolló la narración de largo aliento; Chet Baker llevó la economía del cool jazz a la voz; y Joe Williams renovó la tradición del cantante de blues con big band.

1. “Lullaby of Birdland” — Sarah Vaughan, 1954
2. “April in Paris” — Sarah Vaughan con Clifford Brown, 1954
3. “My Funny Valentine” — Chet Baker, 1954
4. “Every Day I Have the Blues” — Joe Williams con Count Basie, 1955
5. “I’ve Got You Under My Skin” — Frank Sinatra con Nelson Riddle, 1956
6. “Summertime” — Ella Fitzgerald y Louis Armstrong, 1957
7. “Everything I’ve Got” — Blossom Dearie, 1957
8. “I’m a Fool to Want You” — Billie Holiday, 1958
9. “Mack the Knife” — Ella Fitzgerald, versión en Berlín, 1960
10. “Lush Life” — Johnny Hartman y John Coltrane, 1963

Scat, vocalese y conjuntos vocales

El scat improvisa sin palabras sobre la armonía; el vocalese conserva las notas de un solo instrumental y les añade una letra. Eddie Jefferson y King Pleasure fueron pioneros del vocalese moderno. Jon Hendricks, Dave Lambert y Annie Ross lo convirtieron en escritura polifónica para conjunto, mientras Mark Murphy, The Manhattan Transfer y Bobby McFerrin ampliaron sus posibilidades escénicas y tímbricas.

1. “Moody’s Mood for Love” — King Pleasure, 1952
2. “Twisted” — Lambert, Hendricks & Ross, 1959
3. “Moanin’” — Lambert, Hendricks & Ross, 1959
4. “Cloudburst” — Lambert, Hendricks & Ross, 1960
5. “Stolen Moments” — Mark Murphy, 1978
6. “Birdland” — The Manhattan Transfer, 1979
7. “Another Night in Tunisia” — The Manhattan Transfer con Bobby McFerrin y Jon Hendricks, 1985
8. “Thinkin’ About Your Body” — Bobby McFerrin, 1988

Modernismo, protesta e intimidad

Desde finales de los cincuenta, varias cantantes usaron la voz para ampliar el campo expresivo del jazz. Nina Simone reunió jazz, blues, gospel, folk y formación clásica en una obra imposible de reducir a una sola categoría. Abbey Lincoln convirtió la voz en vehículo de conciencia política y experimentación; Sheila Jordan exploró formatos mínimos y la improvisación bebop; Jeanne Lee trabajó el silencio y la abstracción; y Betty Carter hizo de la elasticidad temporal una estética completa.

1. “I Loves You, Porgy” — Nina Simone, 1958
2. “Freedom Day” — Max Roach con Abbey Lincoln, 1960
3. “Triptych: Prayer / Protest / Peace” — Max Roach con Abbey Lincoln, 1960
4. “Blue Monk” — Jeanne Lee y Ran Blake, 1961
5. “Straight Ahead” — Abbey Lincoln, 1961
6. “You Are My Sunshine” — George Russell con Sheila Jordan, 1962
7. “Dat Dere” — Sheila Jordan, 1962
8. “Mississippi Goddam” — Nina Simone, 1964
9. “Sounds (Movin’ On)” — Betty Carter, 1979

Bossa nova, músicas globales y fusión

La circulación internacional del jazz produjo nuevas concepciones vocales. João Gilberto convirtió la voz casi susurrada y la guitarra sincopada en una sola textura; Astrud Gilberto llevó ese lenguaje a una audiencia mundial. Flora Purim integró la tradición brasileña con el jazz eléctrico; Al Jarreau combinó canto, percusión vocal y flexibilidad rítmica.

1. “The Girl from Ipanema” — Stan Getz y João Gilberto con Astrud Gilberto, 1964
2. “Corcovado” — Stan Getz y João Gilberto con Astrud Gilberto, 1964
3. “500 Miles High” — Return to Forever con Flora Purim, 1973
4. “Open Your Eyes You Can Fly” — Flora Purim, 1976
5. “Take Five” — Al Jarreau, 1976
6. “Spain (I Can Recall)” — Al Jarreau, 1980

De los años ochenta al cambio de siglo

La tradición continuó sin una única dirección dominante. Betty Carter formó generaciones de improvisadores; Carmen McRae y Shirley Horn profundizaron la narración y el uso del silencio; Dee Dee Bridgewater y Dianne Reeves reunieron swing, blues y repertorios internacionales; Cassandra Wilson acercó estándares, blues, folk y música popular mediante texturas acústicas; Kurt Elling renovó el vocalese y la canción contemporánea.

1. “Better Days” — Dianne Reeves, 1987
2. “Here’s to Life” — Shirley Horn, 1992
3. “Peel Me a Grape” — Diana Krall, 1993
4. “Love and Peace” — Dee Dee Bridgewater, 1994
5. “You Don’t Know What Love Is” — Cassandra Wilson, 1995
6. “Death Letter” — Cassandra Wilson, 1995
7. “Nature Boy” — Kurt Elling, 1995

Jazz vocal en el siglo XXI

La escena contemporánea combina estándares, composición original, tradiciones afroamericanas, música brasileña, soul y experimentación. Cécile McLorin Salvant investiga la historia y las ambigüedades de las letras; Esperanza Spalding integra voz, bajo y composición; Gretchen Parlato explora el espacio y el ritmo; Gregory Porter mantiene la conexión con gospel y soul; Jazzmeia Horn extiende el vocabulario del scat; y Samara Joy devuelve el Songbook y el vocalese a una nueva generación sin tratarlos como piezas de museo.

1. “I Know You Know” — Esperanza Spalding, 2008
2. “Butterfly” — Gretchen Parlato, 2009
3. “Be Good (Lion’s Song)” — Gregory Porter, 2012
4. “I Didn’t Know What Time It Was” — Cécile McLorin Salvant, 2013
5. “Wives and Lovers” — Cécile McLorin Salvant, 2013
6. “Social Call” — Jazzmeia Horn, 2017
7. “Linger Awhile” — Samara Joy, 2022
8. “Nostalgia (The Day I Knew)” — Samara Joy, 2022

Discografía esencial

• Louis Armstrong — The Hot Five and Hot Seven Recordings
• Bessie Smith — The Complete Recordings
• Billie Holiday — Lady Day: The Complete Billie Holiday on Columbia
• Ella Fitzgerald — Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Song Book, 1956
• Ella Fitzgerald y Louis Armstrong — Ella and Louis, 1956
• Frank Sinatra — Songs for Swingin’ Lovers!, 1956
• Sarah Vaughan — Sarah Vaughan with Clifford Brown, 1954
• Chet Baker — Chet Baker Sings, 1954
• Count Basie con Joe Williams — Count Basie Swings, Joe Williams Sings, 1956
• Nat King Cole — After Midnight, 1957
• Lambert, Hendricks & Ross — Sing a Song of Basie, 1958
• Ella Fitzgerald — Ella in Berlin: Mack the Knife, 1960
• Max Roach — We Insist! Freedom Now Suite, 1960
• Sheila Jordan — Portrait of Sheila, 1962
• John Coltrane y Johnny Hartman — John Coltrane and Johnny Hartman, 1963
• Betty Carter — The Audience with Betty Carter, 1980
• Al Jarreau — Look to the Rainbow, 1977
• Cassandra Wilson — New Moon Daughter, 1995
• Dianne Reeves — In the Moment: Live in Concert, 2000
• Esperanza Spalding — Chamber Music Society, 2010
• Cécile McLorin Salvant — Dreams and Daggers, 2017
• Samara Joy — Linger Awhile, 2022

Como recorrido inicial: “Heebie Jeebies” → “A-Tisket, A-Tasket” → “Strange Fruit” → “Oh, Lady Be Good!” → “Lullaby of Birdland” → “Every Day I Have the Blues” → “Moody’s Mood for Love” → “Lush Life” → “Freedom Day” → “The Girl from Ipanema” → “Take Five” → “You Don’t Know What Love Is” → “I Didn’t Know What Time It Was” → “Nostalgia (The Day I Knew)”.